Portugal Students Prize 2025

Esta pintura não tem um significado específico. As ideias foram surgindo à medida que o trabalho foi sendo construído.

Autorretrato que representa a dualidade da existência humana, a convivência entre a vida e a morte. A metade do rosto vivo e intenso, simboliza identidade, consciência e presença. A outra metade, remete à efemeridade da vida, à inevitabilidade da morte e ao que está além da aparência física. As joias e pérolas detalhadas, que envolvem tanto o lado humano quanto o esquelético, representam a tentativa de embelezar e glorificar a nossa existência, mesmo diante do inevitável. A imagem quer transmitir que, mesmo com a certeza da morte, há beleza, força e significado na vida. Cada um terá de, introspetivamente, perceber o valor que tem.

Este trabalho foi inspirado pelos eventos atuais e pela situação em que se encontram as guerras mundiais.

Nesta obra, procurei criar um ambiente etéreo, capturando o momento em que alguém parte deste mundo. Subconscientemente, todos sabemos que um dia deixaremos esta terra, mas essa ideia vai além da nossa compreensão. Usei uma velocidade lenta do obturador para criar o efeito de traços de luz do metro a passar e editei a imagem para realçar as cores.

Esta composição é baseada no livro “Coração do Guerreiro do Sol” de Sue Lynn Tan. Ilustra de forma rica e onírica duas figuras emergindo de um universo simbólico repleto de elementos de mitologia e natureza oriental. A figura superior, em preto e branco, contrasta com a figura inferior, pintada a cores, criando uma dualidade entre o espiritual e o terrestre, o passado e o presente, a vida e a morte, e até mesmo o feminino e o masculino. O fundo está repleto de penas de fénix, nuvens de inspiração oriental, flores vermelhas flutuantes, dragões dourados e águas tranquilas com folhas de lótus—todos símbolos de transformação, poder e beleza efémera. As linhas delicadas e os detalhes ornamentais conferem à obra uma atmosfera poética e envolvente, convidando o espectador a ler a obra imergindo-se em um universo de sonhos, memórias e lendas.

Transformação: metamorfose entre um elemento vegetal e outro animal. Neste caso foram utilizados uma abelha e uma framboesa.

A escolha do objeto, aparentemente banal e descartável, convida à reflexão sobre o consumo, o desperdício e o valor que atribuímos aos objetos do dia a dia. Através do contraste entre a riqueza de detalhes e a simplicidade do tema, a obra procura dar nova dignidade ao que normalmente é ignorado, questionando o que consideramos belo ou digno de atenção artística.

Uma imagem inspirada na temporariedade da vida, flores à espera de regressar aos braços da natureza.

A pintura “Hortênsia num jarro” foi inspirado no jardim da aluna, inspirada na beleza que a Natureza favorecia e também pelo fascínio de como a mesma conseguia, proporcionalmente, replicar a mesma forma. Pintou ao ar livre numa manhã de primavera, teve a duração de mais 10 horas.

Influence’ é uma obra que representa o sentimento de dependência emocional. Esta obra retrata o sentimento avassalador das expectativas e a influência do ambiente nas escolhas de cada um. Trata-se de um autorretrato, onde a transparência do rosto cria uma sensação de vulnerabilidade e fragilidade, como se a própria pele carregasse a marca do tempo e da experiência, como uma cicatriz que não desaparece. O uso da cor para representar a transparência baseia-se nas três cores primárias, reforçando a profundidade da composição e as camadas simbólicas, à medida que o azul na lateral do rosto chega até à lágrima. A peça reflete como evoluímos, moldados pelas pessoas e pelos momentos que nos rodeiam. O padrão específico escolhido, que se mistura do braço ao rosto, é de um peixe, e o fundo, que remete à natureza e a outros animais, faz uma referência sutil ao instinto humano, já que não temos controle sobre como percebemos as coisas ao nosso redor em nossa própria existência.

Look me in the eyes’ retrata a coexistência de vulnerabilidade e força através de um ato de auto-exposição. A figura, vulnerável e exposta, está sujeita aos olhares críticos daqueles que a veem. No entanto, apesar desta submissão, há uma ausência de vergonha e medo, existindo apenas uma força desafiante que nos ousa a confrontar a bruta realidade que se esconde por baixo da superfície.

Representação do sofrimento de uma mulher que chora no escuro

Uma lata amassada no recreio da escola… A luz chama atenção e a minha alma pede para desenhar!!!!

Natureza morta com técnicas mistas. Desenho de observação. Após a captação da fotografia o aluno aplicou 4 técnicas mistas na reprodução dos objetos.

Pintura de retrato inspirada no meu eu… Esta sou eu! Porque a infância é cor…são dedos sujos de arco íris…

A tela “os que restaram” é uma obra sobre as consequências da guerra.

O trabalho representa uma natureza morta de um pão sobre um prato. Foi explorada a técnica de lápis de cor, numa tentativa de representação ampliada e realista dos objetos observados.

A pintura, inspirada numa obra de Diego Rivera, representa a realidade das gentes do mar, numa linguagem direta e sem filtros do real – a angústia, o desespero, a intensidade e o alerta que o mar exige.

Pintura abstrata da Praça de S. Tiago, em Guimarães. Esta pintura representa a Praça de S. Tiago, uma das praças mais emblemáticas da cidade de Guimarães, onde moro.

Na obra “Sempre esteve lá”, uma mulher contemporânea se aproxima de uma pintura do século XIX intitulada “Desvio”. Nela, uma noiva melancólica, vestida conforme os costumes da época, rompe a barreira da moldura e toca o rosto da observadora — um gesto de afeto contido, de desejo não vivido. O diálogo entre as duas figuras, separadas por tempo, convenção e pintura, evoca uma história queer silenciada: não como invenção moderna, mas como presença constante, embora muitas vezes invisível. O “desvio” da noiva, visto por olhos externos como falha ou erro, revela-se aqui como verdade essencial. E ao nomear a obra maior de Sempre esteve lá, a artista ressignifica o gesto, afirmando que esse amor — ainda que escondido — jamais deixou de existir.

Este desenho foi inspirado numa rua de uma cidade histórica espanhola. E, neste desenho, cada linha sombreada ecoa a nostalgia dos passos outrora dados ali, por moradores locais, viajantes e sonhos perdidos na brisa mediterrânica.

Neste autorretrato vibrante, a artista representa-se em criança, imersa num universo onírico, onde o rosto sereno e o olhar sonhador contrastam com a explosão de cores e formas celestes que a rodeiam. Estrelas, planetas e constelações misturam-se com expressões de fantasia e imaginação, sugerindo um mundo interior rico, onde a infância, a criatividade e a curiosidade se entrelaçam. A técnica mista de lápis de cor e aguarela confere textura e profundidade à composição, acentuando a leveza do sonho e a intensidade da identidade.

Amasso a lata para reciclar…mas para usufruir do belo…

O aluno ilustrou a música We Own You dos Waitress.

Obra que recria a Guernica de Pablo Picasso, com o uma técnica de pintura quase expressionista de Van Gogh.

Na procura de inspiração…olho para o chão…o sol aponta para o belo!