The 2026 Sovereign Portuguese Art Prize

A prática de Abel Mota utiliza o desenho e a pintura para ativar uma curiosidade quase inesgotável. Cruzando referências do folclore ibérico e sul-americano, do cinema da Europa de Leste, da cerâmica tradicional e de imagens provenientes do quotidiano digital, cria obras simultaneamente narrativas e íntimas. Equilibrando um humor subtil com uma ambiguidade emocional, as suas pinturas constroem uma mitologia partilhada onde memória, afeto e imaginação se cruzam. 

Nesta obra, o espetáculo convive com a improbabilidade. Um corpo parece ser serrado ao meio enquanto o artista em cena se dirige ao observador, revelando a artificialidade da ilusão em vez de a ocultar. Nas proximidades, dois coelhos em acasalamento introduzem um contraponto inesperado, desviando a atenção para um ritmo instintivo paralelo. Como acontece em grande parte da obra de Abel, a pintura desenrola-se entre a fábula, o teatro popular e as imagens da memória, onde as identidades são representadas, trocadas e continuamente transformadas.   

Entre as exposições de Abel Mota destacam-se a Bienal Encontrarte, Amares, Braga (2017-2025); A Whale of a Time, Fórum Arte Braga, Braga (2025); Queridas Bestas, Galeria Plato, Évora (2024); e Bicho de Seis Cabeças, Galeria Plato, Porto (2025). Em 2026, concluiu a Residência Artística FAAP, em São Paulo, Brasil. 

Abel Mota uses drawing and painting to fuel an almost inexhaustible curiosity. Blending references from Iberian and South American folklore, Eastern European cinema, traditional ceramics, and imagery borrowed from everyday digital culture, he creates works that are at once narrative and intimate. Balancing subtle humour with emotional ambiguity, his paintings construct a shared mythology where memory, affection, and imagination intersect. 

In this work, spectacle coexists with improbability. A body appears to be sawn apart while the performer acknowledges the viewer, exposing the artificiality of the illusion rather than concealing it. Nearby, two mating rabbits introduce an unexpected counterpoint, shifting attention towards a parallel instinctive rhythm. As in much of Abel‘s work, the painting unfolds between fable, popular theatre, and remembered imagery, where identities are performed, exchanged, and continually transformed. 

Abel Mota’s exhibitions include the Encontrarte Amares, Braga (2017–2025); A Whale of a Time, Fórum Arte Braga, Braga (2025); Queridas Bestas, Galeria Plato, Évora (2024); Bicho de Seis Cabeças, Galeria Plato, Porto (2025). In 2026, he completed the FAAP Artist Residency in São Paulo, Brazil.

Ana Malta traduz diálogos internos em espaços visuais de interpretação. Os Direitos Estão Tortos reflete sobre a negligência contínua dos direitos humanos básicos através de um título que joga com o duplo significado de direitos (direitos humanos/retos) e tortos (tortos/injustos). A pintura questiona o que acontece quando a injustiça é normalizada em vez de ser combatida. Um globo rodeado por imagens de protesto sugere a necessidade de uma ação coletiva mais veemente, enquanto símbolos de guerra e inocência apontam para a coexistência da violência e da infância. As urnas eleitorais contêm notas que declaram “os direitos estão tortos”, aludindo a locais onde as liberdades são restringidas. A frase crescem mentes, crentes e serpentes reflete os diferentes caminhos que as pessoas seguem, enquanto um campo de futebol distante sublinha a divisão entre a vida quotidiana e a injustiça global.  

Ana Malta expôs numa exposição individual na Investec Cape Town Art Fair, na Cidade do Cabo (2026); na ARCOlisboa, em Lisboa (2026, 2025); na Impermanentia, na This Is Not A White Cube, em Lisboa (2025); e na Menu, na Yiri Arts, em Taipé (2025). Ganhou o Prémio do Voto do Público do Prémio de Arte Portuguesa Sovereign de 2025. 

Ana Malta translates internal dialogues into visual spaces of interpretation. Os Direitos Estão Tortos reflects on the ongoing neglect of basic human rights through a title that plays on the dual meaning of direitos (human rights/straight) and tortos (crooked/unjust). The painting asks what happens when injustice becomes normalised rather than confronted. A globe surrounded by protest imagery, suggests the need for louder collective action, while symbols of war and innocence point to the coexistence of violence and childhood. Voting boxes contain notes declaring “os direitos estão tortos”, alluding to places where freedoms are restricted. The phrase crescem mentes, crentes e serpentes reflects the different paths people follow while a distant football field underscores the divide between everyday life and global injustice.  

Ana Malta’s exhibitions include Investec Cape Town Art Fair, Cape Town (2026) ; ARCOlisboa, Lisbon (2026, 2025); Impermanentia, This Is Not A White Cube, Lisbon (2025) ; Menu, Yiri Arts, Taipei (2025). She won the Public Vote Prize of The 2025 Sovereign Portuguese Art Prize. 

Ana Pais Oliveira é uma pintora cuja prática explora a linguagem arquitetónica, as estruturas geométricas e as relações entre espaço, escala, construção e abrigo. Através de construções utópicas, imaginárias e aparentemente disfuncionais, investiga aquilo que nos faz sentir protegidos, em casa e ligados a um lugar. A casa é central no seu trabalho, como espaço de sobrevivência, memória e pertença, sendo a cor um elemento fundamental na construção da profundidade, do volume e da ilusão.

Dutch Pink and Italian Blue é uma obra nomeada a partir de um excerto de uma música que representa uma espécie de reviravolta cinematográfica na vida da artista. Combinando cores vibrantes com linhas dinâmicas e aparentemente infinitas, Oliveira constrói uma geometria errónea mas sedutora que evoca uma paisagem ou uma casa que sugere estabilidade e proteção, No entanto, elementos disruptivos introduzem a possibilidade de colapso. Equilibrando ordem e caos, certeza e incerteza, a obra torna- se um mapa psicológico moldado pela cor e pela emoção.

Entre as suas exposições destacam-se 60º Premio de Pintura y Escultura Reina Sofía, Madrid (2025); City, Architecture, Plan, Łódź (2024); Fosso, Figueira da Foz (2023); e BBA Artist Prize: 25 Finalists Exhibition, Berlim (2022). 

Ana Pais Oliveira is a painter whose practice explores architectural language, geometric structures, and the relationship between space, scale, construction, and shelter. Through imagined and often impossible forms, she examines what makes us feel protected, at home, and connected to a place. Central to her work is the house as a site of survival, memory, and belonging. 

Dutch Pink and Italian Blue takes its title from a song associated with a significant turning point in the artist’s life. Combining vibrant colour with dynamic, seemingly infinite lines, Oliveira constructs a seductive yet unstable geometry that evokes a landscape, house, or imagined place. While suggesting stability and protection, disruptive elements introduce the possibility of collapse. Balancing order and chaos, certainty and uncertainty, the work becomes a psychological map shaped by colour and emotion. 

Exhibitions include 60º Premio de Pintura y Escultura Reina Sofía, Madrid (2025); City, Architecture, Plan, Łódź (2024); Fosso, Figueira da Foz (2023); and BBA Artist Prize: 25 Finalists Exhibition, Berlin (2022).

Beatriz Narciso explora as nuances do quotidiano através da pintura, revelando como a luz, a atmosfera e a perceção moldam a nossa experiência dos espaços familiares. No centro da sua prática está a exploração da luz, destacando detalhes subtis que transformam cenas comuns em momentos carregados de reflexão e memória. 

Quem fica é quem perde (Those Who Remain Are the Ones Who Lose) retrata o canto da casa de banho de um bar, impregnado de euforia, intimidade, excitação e perda. Através da cuidada disposição dos objetos e do uso evocativo da luz, a obra chama a atenção para detalhes que sugerem simultaneamente presença e ausência, criando um diálogo entre aquilo que permanece e o que se perdeu. Equilibrando observação e atmosfera, a pintura capta o resíduo emocional de um momento fugaz e os vestígios que este deixa para trás. 

 Beatriz Narciso foi a vencedora da primeira edição da Women in Art Fellowship (2025-26), que culminou na exposição individual Sótão, apresentada na Sociedade Nacional de Belas Artes, em Lisboa.

Beatriz Narciso explores the nuances of everyday life through painting, revealing how light, atmosphere, and perception shape our experience of familiar spaces. Central to her practice is the exploration of light, highlighting subtle details that transform ordinary scenes into charged moments of reflection and memory. Quem fica é quem perde (Those Who Remain Are the Ones Who Lose) depicts the corner of a bar bathroom, imbued with euphoria, intimacy, excitement, and loss. Through the careful arrangement of objects and the evocative use of light, the work draws attention to details that suggest both presence and absence, creating a dialogue between what remains and what has been lost. Balancing observation with atmosphere, the painting captures the emotional residue of a fleeting moment and the traces left behind.  

Beatriz Narciso was the winner of the inaugural Women in Art Fellowship (2025-26), culminating in the solo exhibition Sótão (Attic) at the Sociedade Nacional de Belas Artes, Lisbon.  

Bettina Vaz Guimarães explora a cor como forma de experiência, memória e construção. Trabalhando com tinta acrílica, grafite e lápis de cor, cria composições abstratas em camadas inspiradas pela arquitetura, recorrendo a recortes, stencils e fita de mascarar para produzir contornos precisos e planos de cor sobrepostos. Frequentemente desenvolvidas em séries, as suas obras estabelecem relações visuais que evocam estruturas semelhantes a polípticos. 

Sítio Desconhecido constrói uma topografia imaginária através de uma densa paisagem arquitetónica. Evocando a atmosfera labiríntica de uma antiga fábrica, formas industriais e desconstruídas desdobram-se através de um processo intuitivo de acumulação. Estruturas geométricas rigorosas são equilibradas por subtis variações tonais e texturas desenhadas à mão, dando origem a um terreno fragmentado, semelhante a uma ruína. Oscilando entre abstração e arquitetura, a composição convida o observador a percorrer uma paisagem desconhecida, moldada tanto pela ordem como pela espontaneidade. 

Entre as exposições de Bettina Vaz Guimarães destacam-se Cartografias do Olhar, Galeria Diferença, Lisboa (2025); Abraço ao Infinito, Centro Cultural de Cascais (2024); Tabela Periódica, Museu Nacional de História Natural e da Ciência, Lisboa (2024); Achadouros, Cisterna Galeria, Lisboa (2022); e Azul Pintado de Azul, Galeria Andrea Rehder, São Paulo e Lisboa (2021). 

Bettina Vaz Guimarães explores colour as a form of experience, memory, and construction. Working with acrylic paint, graphite, and coloured pencil, she creates layered abstract compositions inspired by architecture, using cut-outs, stencils, and masking tape to produce precise edges and overlapping planes of colour. Often developed in series, her works create visual relationships that suggest polyptych-like structures.  

Sítio Desconhecido constructs an imaginary topography through a dense architectural landscape. Evoking the labyrinthine atmosphere of an old factory, industrial and deconstructed forms unfold through an intuitive process of accumulation. Sharp geometric structures are balanced by subtle tonal shifts and hand-drawn textures, resulting in a fragmented, ruin-like terrain. Oscillating between abstraction and architecture, the composition invites viewers to navigate an unknown landscape shaped by both order and spontaneity. 

Bettina Vaz Guimarães’ exhibitions include Cartografias do Olhar, Galeria Diferença, Lisbon (2025); Abraço ao Infinito, Centro Cultural de Cascais (2024); Tabela Periódica, Museu Nacional de História Natural e da Ciência, Lisbon (2024); Achadouros, Cisterna Galeria, Lisbon (2022); and Azul Pintado de Azul, Galeria Andrea Rehder, São Paulo and Lisbon (2021).

Para Catarina Osório de Castro, a fotografia é uma forma de abrandar e olhar o mundo  com mais atenção, revelar a sua verdadeira essência. Num tom poético e intimista, entre a autobiografia e a ficção, procura relações silenciosas entre as pessoas, a natureza e o tempo, voltando-se frequentemente para detalhes que escapam a uma observação imediata. Trabalhando com fotografia analógica, abraça a lentidão e a contemplação. 

Nesta fotografia, água, vegetação e luz convergem. A longa exposição transforma a água em movimento  densa e opaca, criando uma atmosfera suspensa entre o familiar e o imaginado, que convida à contemplação da memória e dos ciclos contínuos da natureza. 

 As exposições de Catarina Osório de Castro incluem Pó de Estrelas, Dialogue Gallery, Lisboa (2025); Recriação, Casa dos Cubos, Tomar (2025); e Un Été au Portugal, La Villa Tamaris Centre d’Art, Toulon (2022). Em 2023 publicou Eclipse com a XYZ Books e em 2020 Devagar com as Edições Atelier de Lisboa.  

Photography is a way of slowing down and paying attention for Catarina Osório de Castro, observing the world and revealing its true essence. Moving between autobiography and fiction, through a poetic and intimate approach, she seeks to reveal the quiet relationships between people, nature and time, often turning to details escape immediate notice. Working with analogue photography, she embraces slowness and contemplation.  

In this photograph, water, vegetation and light converge. The long exposure transforms flowing water into a dense, opaque surface, creating an atmosphere that feels suspended between the familiar and the imagined, inviting contemplation on memory and the continuous cycles of nature.  

Catarina Osório de Castro’s exhibitions include Pó de Estrelas, Dialogue Gallery, Lisbon (2025); Recriação, Casa dos Cubos, Tomar (2025) and Un Été au Portugal, La Villa Tamaris Centre d’Art, Toulon (2022).In 2023 she published Eclipse with XYZ Books and in 2020 Devagar with Atelier de Lisboa Editions. 

Cordeiro é um artista e gravador sediado em Joanesburgo, cuja prática explora a forma como as histórias são construídas e difundidas através de arquivos e materiais colecionados. Como cofundador do Danger Gevaar Ingozi Studio, juntamente com Nathaniel Sheppard e Sbongiseni Khulu, Cordeiro trabalha com colagem, linogravura, serigrafia, publicações, meios sonoros e instalação. Através do recorte e da recontextualização de materiais encontrados, cria novas conversas entre o passado e o presente. 

Hold My Beer é uma colagem e linogravura composta por imagens e textos retirados de livros de história portugueses e sul-africanos, enciclopédias, publicações infantis, banda desenhada e efémera comercial. No centro da obra, uma garrafa de cerveja Hansa contendo uma embarcação comercial colonial portuguesa estabelece uma ligação entre a cultura de consumo e as histórias de comércio, extração e expansão colonial. O trabalho examina a forma como as narrativas coloniais continuam a circular através de arquivos, mercadorias e meios de comunicação populares. 

Entre as suas exposições e projetos de destaque encontram-se Every Act Of Struggle, De Appel, Amesterdão (2025); Rijksakademie Open Studios, Amsterdam Art Week (2024, 2025); The Whole Life: Archives and Reality, Staatliche Kunstsammlungen Dresden (2019); The Centre for the Less Good Idea, Season 3, Arts on Main, Joanesburgo (2018); e A Labour of Love, Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main (2015). 

Cordeiro is an artist and printmaker based in Johannesburg whose practice explores how histories are constructed and circulated through archives and collected material. As co-founder of Danger Gevaar Ingozi Studio with Nathaniel Sheppard and Sbongiseni Khulu. Cordeiro works across the mediums of collage, linocut, silkscreen, publications, sound media, and installation. Through cutting and recontextualising found material, he creates new conversations between past and present.

Hold My Beer is a collage and linocut composed from imagery and text drawn from Portuguese and South African history books, encyclopaedias, children’s publications, comics, and commercial ephemera. At its centre, a Hansa beer bottle containing a Portuguese colonial trading vessel links consumer culture to histories of trade, extraction, and colonial expansion. The work examines how colonial narratives continue to circulate through archives, commodities, and popular media. 

Some of his notable exhibitions and projects include Every Act Of Struggle, De Appel, Amsterdam (2025); Rijksakademie Open Studios, Amsterdam Art Week (2024, 2025); The Whole Life: Archives and Reality, Staatliche Kunstsammlungen Dresden (2019); The Centre for the Less Good Idea, Season 3, Arts on Main, Johannesburg (2018); and A Labour of Love, Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main (2015).

Evy Jokhova é uma artista multidisciplinar cuja prática explora as interseções entre a antropologia social, a arquitetura e a filosofia. Trabalhando com desenho, escultura, instalação, som, alimentação e performance, investiga a forma como as relações, os comportamentos e os sistemas são moldados pela arquitetura, pela paisagem, pela memória e pelas estruturas sociais. 

Roman Mother integra a série Three Colours, iniciada por Jokhova em 2022 e inspirada na aclamada trilogia cinematográfica de Krzysztof Kieślowski. Através da fotografia, escultura, pintura, cerâmica e têxteis, a série examina as associações emocionais, sociais e simbólicas da cor. Revestida por um esmalte púrpura, Roman Mother combina referências à escultura clássica, ao crescimento orgânico e ao corpo materno. Esbatendo a fronteira entre objeto e corpo, a obra prolonga a investigação de Jokhova sobre a corporeidade e as formas como a identidade é moldada pela experiência física, emocional e social. 

Entre as suas exposições destacam-se Three Colours: Flesh, Lisboa (2025); Oasis, Vilnius (2025); Three Colours: Shadow, Almada (2023); e Art in the Age of the Anthropocene, Tallinn (2020-23). Recebeu o Prémio EDP Novos Artistas em 2025. 

Evy Jokhova is a multidisciplinary artist whose practice explores the intersections of social anthropology, architecture, and philosophy. Working across drawing, sculpture, installation, sound, food, and performance, she investigates how relationships, behaviours, and systems are shaped by architecture, landscape, memory, and social structures. 

Roman Mother is part of Jokhova’s Three Colours series, begun in 2022 and inspired by Krzysztof Kieślowski’s acclaimed film trilogy. Through photography, sculpture, painting, ceramics, and textiles, the series examines the emotional, social, and symbolic associations of colour. Rendered in a purple glaze, Roman Mother combines references to classical sculpture, organic growth, and the maternal body. Blurring the boundary between object and body, the work extends Jokhova’s exploration of embodiment and the ways identity is shaped by physical, emotional, and social experience. 

Exhibitions include Three Colours: Flesh, Lisbon (2025); Oasis, Vilnius (2025); Three Colours: Shadow, Almada (2023); and Art in the Age of the Anthropocene, Tallinn (2020-23). She received the EDP New Artist Award in 2025. 

Fábio Colaço é um artista multidisciplinar cuja prática se centra na escultura. Através de objetos comuns, intervenções subtis e deslocamentos simbólicos, explora como as narrativas políticas, económicas e culturais se naturalizam na vida contemporânea. Untitled (veiled Pope) é uma pintura a óleo baseada numa imagem viral do Papa Francisco, com o rosto ocultado pela sua vestimenta. Originalmente partilhada como meme, a imagem é retirada do contexto digital e transformada num objeto de contemplação. A pintura oscila entre identidade e anonimato, humor e solenidade, questionando como as imagens se acumulam, transformam e perdem significado na cultura digital, representação histórica e memória coletiva.

Entre as exposições selecionadas, destacam-se The Technologies of Peace – Art and Transition in Contemporary Europe (1989-2026), IMMA – Irish Museum of Modern Art, Dublin (2026); La vie climatique. Histoires sensibles des collections privées, MAC – Musée d’Art Contemporain, Marselha (2026); ARCO, Madrid (2026); Entre a Palavra e o Silêncio — Obras da Coleção José Carlos Santana Pinto, Museu de Arte Contemporânea Armando Martins, Lisboa (2025); Cruel Optimism, Galerie Alex Serra, Colónia (2025) e Yesterday, Today, Tomorrow, ADN Galeria, Barcelona (2024).

Fábio Colaço is a multidisciplinary artist whose practice centres on sculpture. Through ordinary objects, subtle interventions and symbolic displacements, he explores how political, economic and cultural narratives become naturalised in contemporary life. Untitled (veiled Pope) is an oil painting based on a viral image of Pope Francis with his face concealed by his vestment. Originally shared as a meme, the image is removed from its digital context and transformed into an object of contemplation. The painting oscillates between identity and anonymity, humour and solemnity, questioning how images accumulate, transform and lose meaning across digital culture, historical representation and collective memory.

Selected exhibitions include The Technologies of Peace – Art and Transition in Contemporary Europe (1989-2026), IMMA – Irish Museum of Modern Art, Dublin (2026); La vie climatique. Histoires sensibles des collections privées, MAC – Musée d’Art Contemporain, Marseille (2026); ARCO, Madrid (2026); Entre a Palavra e o Silêncio — Obras da Coleção José Carlos Santana Pinto, MACAM – Museu de Arte Contemporânea Armando Martins, Lisbon (2025); Cruel Optimism, Galerie Alex Serra, Cologne (2025) and Yesterday, Today, Tomorrow, ADN Galeria, Barcelona (2024).

Fidel Évora desenvolve o seu trabalho a partir da convicção de que a Era da Informação absorve tudo, incluindo a realidade, a paisagem e a identidade. Ao transformar imagens digitais em mapas de píxeis, manipula sistemas de memória visual para criar novas composições. Utilizando técnicas analógicas como a serigrafia e a litografia, converte informação digital em imagens à base de carbono que estabelecem uma ponte entre processos tecnológicos e físicos. 

Em Untitled, uma figura solitária surge numa paisagem pontilhada que evoca o continente africano e imagens de líderes da independência como Amílcar Cabral e Patrice Lumumba, olhando para um futuro que outrora pareceu possível. Despojada de cor e derivada de um fluxo digital, a imagem deixa apenas uma flora que se dissolve em estrelas. Um gesto dourado, semelhante a um grafite, reintroduz a mão do artista, esboçando uma moldura inacabada. Como uma marca deixada na paisagem urbana, resiste a uma leitura fechada e preserva a ambiguidade. 

Entre as suas exposições destacam-se Nouvelles Acquisitions, Pressac (2025); Projeto Lugar, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa (2024); e 1-54 Contemporary Art Fair, Londres (2024). A sua obra integra importantes coleções portuguesas. 

Fidel Évora’s work is driven by the belief that the Information Age absorbs everything, including reality, landscape, and identity. By transforming digital images into pixel maps, he manipulates systems of visual memory to create new compositions. Using analogue techniques such as screen printing and lithography, Évora converts digital information into carbon-based images that bridge technological and physical processes. 

In Untitled, a solitary figure stands within a stippled landscape that recalls the African continent and images of independence leaders such as Amílcar Cabral and Patrice Lumumba, gazing towards a future that once seemed possible. Stripped of colour and derived from a digital feed, the image leaves only flora that dissolves into stars. A gold, graffiti-like gesture reintroduces the artist’s hand, sketching an unfinished frame. Like a mark left in the urban landscape, it resists neat containment and preserves ambiguity. 

Fidel Évora’s exhibitions include Nouvelles Acquisitions, Pressac (2025); Projeto Lugar, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon (2024); and 1-54 Contemporary Art Fair, London (2024). His work is held in major Portuguese collections. 

Flávia Vieira desenvolve uma prática que explora as interseções entre ecologia, história colonial e identidade. Através de instalações assentes na investigação, que combinam cerâmica, têxteis, imagem e som, examina de que forma os legados coloniais continuam a moldar os processos de classificação, domesticação e gestão dos seres vivos. 

Em Palo de Campeche #2, Vieira parte da história do pau-de-campeche, árvore nativa da Península de Iucatão, no México, cujo corante negro se tornou fundamental para as economias extrativas coloniais. Trabalhando com cerâmica e aço inoxidável, a artista traça histórias de circulação, apropriação e transformação inscritas neste material. Construída como uma estrutura de equilíbrio precário, a forma curvilínea da obra evoca tanto o crescimento orgânico da árvore como as peças de vestuário outrora tingidas com o seu pigmento, refletindo sobre a forma como os recursos naturais são transformados e culturalmente redefinidos. 

Flávia Vieira apresentou as suas exposições destacam-se O tienes amor o comes barro, Burgos (2025); Pau-Campeche, Lisboa (2025); Pele de barro, Coimbra (2025); El otro color, Museo Nacional del Prado, Madrid (2024); e Milagro, Guimarães (2024-25). Em 2023, foi distinguida com uma residência de mobilidade no Matadero Madrid. 

Flávia Vieira’s practice explores the intersections of ecology, colonial history, and identity. Through research-driven installations combining ceramics, textiles, image, and sound, she examines how colonial legacies continue to shape the ways living beings are classified, domesticated, and managed. 

In Palo de Campeche #2, Vieira draws on the history of the Palo de Campeche tree, native to Mexico’s Yucatán Peninsula, whose black dye became integral to colonial extractive economies. Working with ceramic and stainless steel, she traces the histories of circulation, appropriation, and transformation embedded in the material. Constructed as a precarious balancing structure, the work’s curved form evokes both the organic growth of the tree and the garments once coloured by its pigment, reflecting on how natural resources are transformed and culturally redefined. 

Flávia Vieira’s exhibitions include O tienes amor o comes barro, Burgos (2025); Pau-Campeche, Lisbon (2025); Pele de barro, Coimbra (2025); El otro color, Museo Nacional del Prado, Madrid (2024); and Milagro, Guimarães (2024-25). She was awarded a mobility residency at Matadero Madrid in 2023.

A natureza está no centro da prática de Gabriela Albergaria. Através de jardins, paisagens e da circulação das plantas, a artista examina as forças culturais, históricas e económicas que moldam o mundo natural, abordando frequentemente as lógicas extrativistas do colonialismo. O seu trabalho mais recente tem-se centrado na destruição urgente dos ecossistemas, explorando a regeneração, a recuperação, a reutilização e a questão do desperdício através de intervenções poéticas com materiais, objetos e práticas negligenciadas. 

Fixing Imperfections #3 nasceu do hábito de Albergaria de recolher paus em decomposição durante caminhadas por parques e florestas. Depois de limpos e tratados no estúdio, os ramos são congelados para abrandar o processo de degradação, antes de as zonas em falta serem “corrigidas” com massa de modelar sem enxofre, resultando em gestos subtis de reparação. As esculturas daí resultantes reconhecem tanto a inevitabilidade da decadência como a possibilidade de reparação. 

Entre as exposições de Gabriela Albergaria destacam-se A Pedra Espera Ainda dar Flor, Galeria Vermelho, São Paulo (2025-26); Season to Rest or Reparar, Réparer, Sapar Contemporary, Nova Iorque (2025); e Underground. Exploring Ecosystems, Museo Villa dei Cedri, Bellinzona (2024). 

Nature is central to Gabriela Albergaria’s practice. Through gardens, landscapes, and the movement of plants, she examines the cultural, historical, and economic forces that shape the natural world, often addressing the extractive logics of colonialism. Her recent work has focused on the urgent destruction of ecosystems, exploring regeneration, recovery, reuse, and the question of waste through poetic interventions with materials, objects and neglected practices.

Fixing imperfections #3 grew out of the Albergaria’s routine of collecting rotten sticks during walks through parks and forests.  After being cleaned and treated in the studio, the branches are frozen to slow down their decomposition before areas of loss are “corrected” with sulphur-free plasticine, resulting in subtler acts of repair. The resulting sculptures acknowledge both the inevitability of decay and the possibility of repair. 

Gabriela Albergaria’s exhibitions include A Pedra Espera Ainda dar Flor, Galeria Vermelho, São Paulo (2025-6); Season to Rest or Reparar, Rèparer, Repair Sapar Contemporary, New York (2025) and Underground. Exploring Ecosystems, Museo Villa Dei Cedri, Bellinzona (2024). 

A prática de Gabriel Garcia assenta na pintura figurativa, tendo a figura humana como presença constante ao longo da sua obra. Sejam solitárias ou em grupo, as suas figuras transportam camadas de memória, emoção e narrativa. Em The Art of Not Yielding, quatro mulheres reúnem-se em torno de uma figura sentada numa cena marcada pelo cuidado, pela atenção e pelo apoio mútuo. Os seus gestos formam um círculo de solidariedade, transformando a vulnerabilidade em força coletiva. Um espelho introduz temas de autorreconhecimento e reflexão, sugerindo como a identidade é moldada pelo olhar dos outros. Tendo como pano de fundo uma paisagem luminosa, as figuras parecem suspensas fora do tempo. Através da cor, do gesto e da composição, Garcia explora a força duradoura da ligação humana.  

As suas exposições incluem Arquiteturas do Invisível, Auditório Municipal Augusto Cabrita, Barreiro (2026); Com a proa aproada ao destino, Museu de Angra do Heroísmo, Terceira (2025); Perspectiva 24, Fundação Bienal de Cerveira, Cerveira (2023); e Variations Portugaises, Centre d’Art Contemporain de Meymac, França (2018). Foi distinguido com o Prémio de Aquisição na 16.ª Bienal de Cerveira (2011). 

Gabriel Garcia’s practice is rooted in figurative painting, with the human figure a constant presence throughout his work. Whether solitary or grouped, his figures carry layers of memory, emotion, and narrative. In The Art of Not Yielding, four women gather around a seated figure in a scene shaped by care, attention, and mutual support. Their gestures form a circle of solidarity, transforming vulnerability into collective strength. A mirror introduces themes of self-recognition and reflection, suggesting how identity is shaped through the gaze of others. Set against a luminous landscape, the figures appear suspended outside time. Through colour, gesture, and composition, Garcia explores the enduring power of human connection.  

Garcia’s exhibitions include Arquiteturas do Invisível, Auditório Municipal Augusto Cabrita, Barreiro (2026); Com a proa aproada ao destino, Museu de Angra do Heroísmo, Terceira (2025); Perspectiva 24, Fundação Bienal de Cerveira, Cerveira (2023) and Variations Portugaises, Centro de Arte Contemporânea de Meymac, França (2018). He won the Acquisition Award at the 16th Cerveira Biennial (2011). 

Hugo Cantegrel desenvolve uma prática que reconhece a natureza relativa da verdade e as fronteiras fluidas entre realidade, interpretação e ficção. Trabalhando com uma ampla variedade de meios e uma linguagem visual distinta e lúdica, transforma acontecimentos do quotidiano através de utilizações inesperadas de materiais, criando momentos de envolvimento estético e intelectual. 

Em Another Dream Come True VIII, imagens impressas em alumínio captam um pequeno avião sobre Santa Cruz a desenhar no céu a frase “another dream come true”. O gesto é simultaneamente simples e absurdo, um voo que transporta uma promessa profundamente humana. Interessado na tensão entre realidade e ficção, entre o instante fugaz e a sua pós-imagem, Cantegrel transforma um acontecimento efémero em algo que perdura. As fotografias captam um momento passageiro, mas resistem a um significado fixo, deixando espaço para a memória, a projeção e a reflexão. 

Entre as exposições de Hugo Cantegrel destacam-se ARCOlisboa, Lisboa (2026); Todas as coisas que nos fazem, Galeria Foco, Lisboa (2026); The Last Dance, Galeria Plato, Porto (2025); From the Bottom of my Heart, Ostra Practice, Lisboa (2024); e Art Brussels, Bruxelas (2023). 

Hugo Cantegrel’s practice acknowledges the relative nature of truth and the fluid boundaries between reality, interpretation, and fiction. Working across a wide range of media with a distinctive and playful visual language, he transforms everyday occurrences through unexpected uses of materials, creating moments of aesthetic and intellectual engagement. 

In Another Dream Come True VIII, images printed on aluminium capture a small aircraft flying over Santa Cruz, trailing the phrase “another dream come true” across the sky. The gesture is simple and absurd at the same time, carrying a promise that feels deeply human. Drawn to the tension between reality and fiction, and between a fleeting moment and its afterimage, Cantegrel transforms an ephemeral event into something that lingers. The photographs capture a passing moment yet resist fixed meaning, leaving space for memory, projection, and reflection. 

Hugo Cantegrel’s exhibitions include ARCOlisboa, Lisbon (2026); Todas as coisas que nos fazem, Galeria Foco, Lisbon (2026); The Last Dance, Porto (2025); From the Bottom of my Heart, Lisbon (2024); and Art Brussels, Brussels (2023).

A prática artística de Jacira da Conceição desenvolve-se sobretudo em cerâmica. Transita do pote para a escultura, centrada nas cerâmicas de mulheres afrodescendentes no Atlântico, e interroga a identidade, a auto-representação, o feminismo e as epistemologias femininas do fazer. 

Interior II ressignifica o pote cabo-verdiano. Modelada à mão em barro vermelho, a obra parte do vocabulário que a cerâmica partilha com o corpo humano e ganha dois braços que, erguidos dos ombros, evocam uma figura feminina. A artista torna poeticamente visível o interior da forma e convoca a memória, a linhagem e os gestos do conhecimento transmitido. 

Do seu percurso destacam-se a performance Kaminhu d’Água, VERBO, 18.ª edição, São Luís, Maranhão, Brasil (2026); Kabelu na Kordon, Galeria Municipal de Montemor-o-Novo, Portugal (2025); Corpo-Ilha, Espaço Atrium da Fundação Eugénio de Almeida, Évora, Portugal (2025); O Quilombismo, Haus der Kulturen der Welt, Berlim, Alemanha (2023); e O Estado do Mundo, Museu do Atlântico Sul, Pavilhão Branco, Galerias Municipais de Lisboa, Portugal (2022). 

Jacira da Conceição’s artistic practice unfolds mainly in ceramics. It moves from the pot into sculpture, centred on ceramics by women of African descent in the Atlantic, and addresses identity, self-representation, feminism and female epistemologies of making. 

Interior II redefines the traditional Cape Verdean pot. Hand-built from red clay, the piece draws upon the anatomical vocabulary shared by ceramics and the human body. Two arms rise from its shoulders, evoking a female form. By making the vessel’s interior poetically visible, Jacira da Conceição conjures memory, lineage, and the ancestral gestures of transmitted knowledge. 

Highlights include the performance Kaminhu d’Água, VERBO, 18th edition, São Luís, Maranhão, Brazil (2026); Kabelu na Kordon, Montemor-o-Novo Municipal Gallery, Portugal (2025); Corpo-Ilha, Atrium Space, Eugénio de Almeida Foundation, Évora, Portugal (2025); O Quilombismo, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, Germany (2023); and O Estado do Mundo, Museu do Atlântico Sul, Pavilhão Branco, Lisbon Municipal Galleries, Portugal (2022).

A prática multidisciplinar de João Campolargo Teixeira explora as relações entre desenho, escultura, som e linguagem. Utilizando o desenho como um enquadramento conceptual através do qual as formas visuais podem ser entendidas como notação, ritmo e experiência temporal, o seu trabalho esbate frequentemente as fronteiras entre o ver e o ouvir, convidando o espectador a considerar a escultura e a imagem nas suas dimensões acústicas e performativas.  

Divertimento (After O’Neill) é uma obra de luz e som inspirada em quatro poemas visuais de Divertimento com Sinais Ortográficos (1960), de Alexandre O’Neill. Através da tradução de sinais poéticos em som e luz, a obra reflete o interesse continuado de Teixeira pela linguagem enquanto imagem e forma sonora, criando um espaço onde leitura, escuta e perceção se cruzam.  

As exposições de João Campolargo Teixeira incluem The Fall, Zaratan – Arte Contemporânea, Lisboa (2026); O Banquete, Galeria Nave, Lisboa (2026); Day in, Day out, Galeria Diferença, Lisboa (2025); Perspetiva 24, Fórum Cultural de Vila Nova de Cerveira, Vila Nova de Cerveira (2023); e Ágora – Bienal de Arte Contemporânea da Maia, Fórum da Maia, Maia (2021).

João Campolargo Teixeira’s multidisciplinary practice explores the relationships between drawing, sculpture, sound, and language. Using drawing as a conceptual framework through which visual forms can be understood as notation, rhythm, and temporal experience, his work often blurs the boundaries between seeing and listening, inviting viewers to consider sculpture and image through their acoustic and performative dimensions.  

Divertimento (After O’Neill) is a light and sound work inspired by four visual poems from Alexandre O’Neill’s Divertimento com Sinais Ortográficos (1960). Through the translation of poetic signs into sound and light, the work reflects Teixeira’s ongoing interest in language as both image and sonic form, creating a space where reading, listening, and perception intersect.  

João Campolargo Teixeira’s exhibitions include The Fall, Zaratan – Arte Contemporânea, Lisbon (2026); O Banquete, Galeria Nave, Lisbon (2026); Day in, Day out, Galeria Diferença, Lisbon (2025); Perspetiva 24, Fórum Cultural de Vila Nova de Cerveira, Vila Nova de Cerveira (2023); and Ágora – Bienal de Arte Contemporânea da Maia, Fórum da Maia, Maia (2021).

Trabalhando entre a fotografia, a escultura e a instalação, José António Quintanilha explora aquilo que permanece inacessível: os espaços entre presença e ausência, permanência e desaparecimento, visibilidade e obscuridade. A sua obra cria encontros suspensos com o familiar, onde o significado permanece em aberto e a incerteza se torna uma força geradora. 

Blue Mountains é composta por duas esculturas de barro modeladas à mão, suspensas por um sistema magnético analógico oculto e equipadas com iluminação LED. Colocando a escultura baseada na terra em diálogo com uma tecnologia invisível, a obra encena uma tensão entre peso e leveza, o tangível e o imaterial. Inspirada no Sutra das Montanhas e das Águas e nas Blue Mountains da Austrália, trata o ar como uma força ativa de sustentação e movimento. Suspensas entre a queda e a ascensão, as esculturas existem num estado de equilíbrio contínuo. 

Entre as exposições de Quintanilha destacam-se INCIPIT, Museu Nacional de História Natural e da Ciência, Lisboa (2025); Where the Invisible Breathes, Biblioteca NOVA FCT, Lisboa (2025); While the World Moves, Município de Coimbra, Coimbra (2023); e The Apple’s Memories, Museu/Casa Bocage, Setúbal (2022). Em 2019, venceu o Prémio da Bienal de Fotografia de Vila Franca. 

Working across photography, sculpture, and installation, José António Quintanilha explores what remains inaccessible: the spaces between presence and absence, permanence and disappearance, visibility and obscurity. His work creates suspended encounters with the familiar, where meaning remains open and uncertainty becomes a generative force. 

Blue Mountains comprises two hand-worked clay sculptures suspended by a concealed analogue magnetic system and fitted with LED lighting. Bringing earth-based sculpture into dialogue with invisible technology, the work stages a tension between weight and lightness, the tangible and the immaterial. Drawing on the Sutra of Mountains and Waters and Australia’s Blue Mountains, it treats air as an active force of support and movement. Suspended between falling and rising, the sculptures exist in a state of continual balance. 

Quintanilha’s exhibitions include INCIPIT, Museu Nacional de História Natural e da Ciência, Lisbon (2025); Where the Invisible Breathes, NOVA FCT Library, Lisbon (2025); While the World Moves, Municipal de Coimbra, Coimbra (2023) and The Apple’s Memories, Museu/Casa Bocage, Setúbal (2022). In 2019, he won the Vila Franca Photography Biennial Prize. 

José Pedro Cortes é um fotógrafo e editor português cuja prática explora a paisagem, a identidade e a presença humana através de diversas abordagens fotográficas, da imagem a cores e a preto e branco ao flash direto e à luz natural. Nesta fotografia, uma melancia aberta repousa sobre o escuro solo vulcânico de Lanzarote. Os vermelhos e verdes vibrantes do fruto contrastam com a paisagem negra e texturada da ilha, chamando a atenção para a relação entre o crescimento orgânico e as forças elementares que moldam o território. Através de uma composição simples e cuidadosamente observada, a obra transforma um motivo quotidiano num estudo de cor, forma e lugar.  

As obras de José Pedro Cortes foram publicadas no seu livro Casa Capital, Pierre von Kleist Editions (2026), apresentadas na Walk & Talk Arts Biennial, Açores (2025), e exibidas em Patrícia, Galeria Francisco Fino (2023); Bright Red, Robert Morat Galerie (2022); e Um Realismo Necessário, MNAC – Museu Nacional de Arte Contemporânea, Lisboa (2018).  

José Pedro Cortes is a Portuguese photographer and editor whose practice explores landscape, identity, and human presence through a range of photographic approaches, from colour and black-and-white imagery to hard flash and natural light. In this photograph, an open watermelon rests on the dark volcanic soil of Lanzarote. The vivid reds and greens of the fruit stand in striking contrast to the island’s black, textured landscape, drawing attention to the relationship between organic growth and the elemental forces that shape the terrain. Through a simple, carefully observed composition, the work transforms an everyday subject into a study of colour, form, and place.  

José Pedro Cortes’ works have been published in his book Casa Capital, Pierre von Kleist editions (2026), shown at the Walk & Talk Arts Biennial, Azores (2025); and exhibited at Patrícia, Galeria Francisco Fino (2023); Bright Red, Robert Morat Galerie (2022); and Um Realismo Necessário, MNAC – Museu Nacional de Arte Contemporânea, Lisbon (2018). 

A prática de Luis Carballo explora a transformação da fotografia para além da sua função documental, expandindo-a para objetos tridimensionais. Carballo desconstrói e recompõe  cenas urbanas através da intervenção material e espacial na fotografia, em constante mudança em relação aos próprios movimentos do observador. A formação académica de Carballo em psicologia e comunicação visual moldou um interesse contínuo pela perceção, pela memória e pela forma como construímos significado a partir de realidades fragmentadas. HIATUSES teve como ponto de partida fotografias de arquitetura; a imagem é fragmentada em camadas de acrílico cortadas a laser, criando uma composição que se altera consoante a posição do espectador. Estruturas lineares repetidas evocam ordem e estabilidade, enquanto interrupções deliberadas — através de variações de profundidade, quebras na continuidade e subtis toques de cor — perturbam esta lógica visual. Em vez de representar a arquitetura, a obra utiliza-a como linguagem visual para investigar a relação entre estrutura e interrupção. 

Carballo expôs em Hiatuses and Controversies, na Galeria Módulo Twist, em Lisboa (2026); Apologia for Balance, na Feira de Arte JUSTMAD, em Madrid (2026); Apologia for Balance, na Galeria Módulo Twist, em Lisboa (2025) e Apologia del Equilibrio, na AF Galería, em Vigo (2025). 

Luis Carballo’s practice explores the transformation of photography beyond its documentary function, expanding it into three-dimensional objects. Carballo deconstructs and reassembles  urban scenes through material and spatial intervention with photography, ever-changing in relation to the viewer’s own movements. Carballo’s academic background in psychology and visual communication has shaped an ongoing interest in perception, memory and the way we construct meaning from fragmented realities. HIATUSES started from architectural photographs, the image is fragmented into laser-cut acrylic layers, creating a composition that shifts with the Carballo’s interruptions, through changes in depth, breaks in continuity and subtle accents of colour, disrupt this visual logic. Rather than representing architecture, the work uses it as a visual language to investigate the relationship between structure and interruption. 

Carballo’s exhibitions include Hiatuses and Controversies, Módulo Twist Gallery, Lisbon (2026); Apologia for Balance, JUSTMAD Art Fair, Madrid (2026); Apologia for Balance, Módulo Twist Gallery, Lisbon (2025) and Apología del Equilibrio, AF Galería, Vigo (2025). 

Mané Pacheco é uma artista visual e investigadora cuja prática opera na interseção entre a escultura, a política dos materiais e as ecologias pós-humanas. Trabalhando com objetos encontrados e descartados moldados por processos botânicos, industriais e geológicos, constrói formas híbridas que desafiam as fronteiras entre a matéria viva, a tecnologia e a agência não-humana. Articulated Meltdown é composta por corpos híbridos suspensos, feitos de tiras de borracha e ferragens de canalização. Ao justapor as origens botânicas da borracha (Hevea brasiliensis) com componentes industriais, a obra reflete sobre o extractivismo, a transformação da matéria e a interdependência entre o humano e o não-humano. Suspensas entre o animal e o vegetal, o natural e o artificial, as formas oscilam sob a força da gravidade numa coreografia subtil. Ocupando um limiar entre a tensão e o colapso, a instalação propõe a regeneração em vez da falha, imaginando novas formas de resiliência que emergem da vulnerabilidade da matéria. 

As recentes exposições individuais de Mané Pacheco incluem Hierofania (Appleton, Lisboa, 2026), Brama (Galeria Quadrum, Lisboa, 2026) e Document Space (Chicago, 2023). Integrou a exposição coletiva Lúcido Devaneio: Panorama da Arte Contemporânea Portuguesa (Porto, 2025) e é doutoranda na FBAUL com bolsa da FCT. 

Mané Pacheco is a visual artist and researcher whose practice operates at the intersection of sculpture, material politics, and post-human ecologies. Working with found and discarded objects shaped by botanical, industrial, and geological processes, she constructs hybrid forms that challenge the boundaries between living matter, technology, and non-human agency. Articulated Meltdown comprises suspended hybrid bodies made from rubber strips and plumbing hardware. Juxtaposing the botanical origins of rubber (Hevea brasiliensis) with industrial components, the work reflects on extractivism, material transformation, and human-non-human interdependence. Poised between animal and plant, natural and artificial, the forms sway under the force of gravity in a subtle choreography. Occupying a threshold between tension and collapse, the installation proposes regeneration rather than failure, imagining new forms of resilience emerging through material vulnerability. 

Mané Pacheco’s recent solo exhibitions include Hierofania (Appleton, Lisbon, 2026), Brama (Galeria Quadrum, Lisbon, 2026), and Document Space (Chicago, 2023). She was featured in Lucid Reverie: Panorama of Portuguese Contemporary Art (Porto, 2025) and is an FCT-funded PhD candidate at FBAUL. 

A prática de Mariana Horgan combina pintura, desenho, escultura, colagem e técnicas de gravura, incluindo monotipia e xilogravura. Atraída pela beleza do não convencional, reaproveita materiais encontrados em estaleiros de construção, praias e no quotidiano. Inspirada pela vida diária, pelas pessoas e pela natureza, pelas memórias de infância, pela perda e por uma alegria de viver matizada pela melancolia, cria obras ricas em cor e textura. 

Dreamscaping mapeia uma paisagem interior composta por fragmentos que oscilam entre a memória e a imaginação, traçando lugares transportados desde a infância. Estes territórios imaginados não são fugas, mas espaços de quietude onde a experiência é suavizada, reorganizada e transformada. Camada após camada, a pintura reflete sobre o poder reparador da imaginação e a sua capacidade de preservar o maravilhamento perante a incerteza. 

Entre as exposições de Mariana Horgan destacam-se Primeiro Gesto, Galeria Belard, Lisboa (2025); Recollection, Galeria Belard, Lisboa (2023) e Moonwalk, Palácio Chiado, Lisboa (2021). O seu trabalho foi destacado em Catching Art’s New Wave in Lisbon, publicado pela Art Basel em 2025, e integra a Coleção PLMJ. 

Mariana Horgan’s practice combinies painting, drawing, sculpting, collage, and printmaking techniques, including monoprint and woodcut. Drawn to beauty in the unconventional, she repurposes found materials gathered from construction sites, beaches, and everyday surroundings. Inspired by daily life, people and nature, childhood memories, loss, and a joie de vivre tempered by melancholy, she creates works that rich in colour and texture.

Dreamscaping maps an interior landscape composed of fragments that drift between memory and imagination, tracing places carried since childhood. These imagined territories are not escapes but quiet spaces where experience is softened, reordered, and transformed. Layer by layer, the painting reflects on the restorative power of imagination and its ability to preserve wonder in the face of uncertainty.   

Mariana Horgan’s exhibitions include Primeiro Gesto, Galeria Belard, Lisbon (2025); Recollection, Galeria Belard, Lisbon  (2023) and Moonwalk, Palácio Chiado, Lisbon  (2021). Her work was highlighted in Catching Art’s New Wave in Lisbon, published by Art Basel in 2025, and is held in the PLMJ Collection. 

Max Frisinger desenvolve o seu trabalho a partir do reconhecimento do potencial escultórico de formas já existentes. Através da intervenção material e da recomposição, chama a atenção para o espaço entre o uso passado e o presente, onde a memória, a perceção e a história material revelam novas formas de ver. 

Samarra tem origem num radiador de ferro fundido proveniente de Berlim, um objeto industrial concebido para os invernos do norte da Europa. Recorrendo a um processo subtrativo, Frisinger remove secções da peça para revelar uma nova estrutura escultórica. O ferro fundido é depois exposto à água do mar da Praia de Samarra, iniciando um processo de oxidação semi-controlado que é gradualmente revelado através de sucessivas fases de lixagem e polimento. À medida que a superfície ganha brilho, as arestas suavizam-se e as transições tornam-se mais fluidas, deslocando o objeto para um estado ambíguo entre a geometria industrial e uma presença orgânica. 

Entre as exposições de Max Frisinger destacam-se Takashi Murakami’s Superflat Collection, Yokohama Museum, Yokohama (2016); Kunstpreis der Böttcherstraße, Kunsthalle, Bremen (2014); KUNSTPREIS START, Kunstmuseum Bonn, Bona (2011-12); e Gesamtkunstwerk: New Art from Germany, Saatchi Gallery, Londres (2011). 

Max Frisinger’s work begins with recognising sculptural potential in existing forms. Through material intervention and recomposition, he brings attention to the space between past and present use, where memory, perception, and material history reveal a new way of seeing. He brings attention to the space between past and present use, where memory, perception, and material history reveal a new way of seeing.

Samarra originates from a cast-iron radiator from Berlin, an industrial object designed for the winters of Northern Europe. Using a subtractive process, Frisinger breaks away sections to reveal a new sculptural structure. The cast iron is then exposed to seawater from Samarra Beach, initiating a semi-controlled oxidation process that is gradually uncovered through successive stages of grinding and polishing. As the surface begins to shine, softened edges and fluid transitions shift the object into an ambiguous state between industrial geometry and organic presence   

Max Frisinger’s exhibitions include Takashi Murakami’s Superflat Collection, Yokohama Museum, Yokohama (2016); Kunstpreis der Böttcherstraße, Kunsthalle, Bremen (2014); KUNSTPREIS START, Kunstmuseum Bonn, Bonn (2011-2); Gesamtkunstwerk: New Art from Germany, Saatchi Gallery, London (2011).

Mia Dudek é uma artista multidisciplinar cuja prática explora a relação entre corpo, espaço e memória. Nascida na Polónia e residente em Lisboa, trabalha através da pintura, escultura, instalação e fotografia, investigando temas como a intimidade, o deslocamento e a pertença. A sua linguagem visual recorre frequentemente a espaços domésticos, em particular casas de banho, transformando-os em lugares de tensão e decadência que evocam a vulnerabilidade e a fragilidade da identidade. 

Waiting Room I assinala uma transição da fotografia para a pintura, refletindo a procura da artista por uma nova linguagem de expressão. Mais do que representar, a obra funciona como um acontecimento orgânico, emergindo da tensão entre o visível e o invisível, o presente e o ausente, o dito e o não dito. Inspirada pela insuficiência corporal como estado liminar de transformação, a pintura explora a renegociação da identidade e a construção do eu. 

Entre as exposições de Mia Dudek destacam-se Retention, SALON / Import Export, Londres (2026); Saturation, CK Zamek, Poznań (2026); Waiting Room, Import Export Gallery, Varsóvia (2025); What Grows…, Import Export Gallery, Varsóvia (2023); e InsideOut, Galeria Foco, Lisboa (2023). 

Mia Dudek is a multidisciplinary artist whose practice explores the interplay between body, space, and memory. Born in Poland and based in Lisbon, she works across painting, sculpture, installation, and photography, investigating themes of intimacy, displacement, and belonging. Her imagery often draws on domestic spaces, particularly bathrooms, transforming them into sites of tension and decay that evoke vulnerability and the fragility of identity.

Waiting Room I marks a shift from photography to painting, reflecting the artist’s search for a new language of expression. Rather than depicting, the work functions as an organic event, emerging from the tension between the visible and invisible, the present and absent, and the spoken and unspoken. Inspired by bodily insufficiency as a liminal state of transformation, the painting explores the renegotiation of identity and self-understanding. 

Mia Dudek’s exhibitions include Retention, SALON / Import Export, London (2026); Saturation, CK Zamek, Poznań (2026); Waiting Room, Import Export Gallery, Warsaw (2025); What Grows…, Import Export Gallery, Warsaw (2023); and InsideOut, Galeria Foco, Lisbon (2023).

Mimi Tavares tem vindo a desenvolver uma prática artística enraizada na pintura e no desenho. O seu trabalho explora a relação entre o tempo e o espaço, analisando a forma como a presença ou ausência da figura humana pode sugerir a passagem do tempo. Equilibrando a abstração e a representação, as suas pinturas realçam a presença de objetos aparentemente comuns, transformando-os em composições evocativas que resistem a uma interpretação fixa. Em Lembro-me de quando, uma poça  cor-de-rosa vivo domina a composição, revelando a sua superfície refletora apenas os pés de uma figura que se desvanece. A imagem convida à especulação: estará a figura a chegar, a partir ou já se terá ido? Oscilando entre o aparecimento e o desaparecimento, a obra reflete sobre a impermanência e a natureza efémera da presença humana, transformando uma cena simples numa meditação sobre o tempo e a memória.  

Mimi Tavares expôs na Drawing Room Lisboa (2021); Sons Invisíveis, Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado (MNAC), Lisboa (2023); Câmara Lenta, MNAC, Lisboa (2022); Una Casa, Teatro del Mundo, Embaixada de Portugal, Madrid (2023); Impressões digitais — coleção MNAC, MNAC (2024).  

Mimi Tavares has pursued an artistic practice rooted in painting and drawing. Her work explores the relationship between time and space, examining how the presence or absence of the human figure suggests the passage of time. Balancing abstraction and representation, her paintings heighten the presence of seemingly ordinary objects, transforming them into evocative compositions that resist fixed interpretation. In Lembro-me de quando, a vivid pink puddle dominates the composition, its reflective surface revealing only the feet of a vanishing figure. The image invites speculation: is the figure arriving, departing, or already gone? Hovering between appearance and disappearance, the work reflects on impermanence and the ephemeral nature of human presence, turning a simple scene into a meditation on time and memory. 

Mimi Tavares’s exhibitions include Drawing Room Lisboa (2021);  Sons Invisíveis, Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado (MNAC), Lisbon (2023); Câmara Lenta, MNAC, Lisbon (2022); Una Casa, Teatro del Mundo, Obras da CACE, Portugal Embassy, Madrid (2023); Nódoa Negra, Galeria Monumental, Lisboa(2024); Impressões digitais-Coleção MNAC, MNAC (2024). 

A natureza inspira a prática de Paula Prates não como imagética, mas sim como um quadro de referência para o pensamento. Trabalhando com desenho, pintura, instalação e fotografia, ela explora as estruturas invisíveis que sustentam os sistemas vivos através de gestos lentos e repetidos, superfícies em camadas e experimentação com materiais. Nervura surge da sua observação das redes ocultas que sustentam a vida. Tal como as veias que transportam nutrientes através de uma folha ou as raízes que fixam uma árvore, a obra reflete sobre aquilo que permanece quase impercetível, mas que torna possíveis o crescimento, a continuidade e a transformação. A superfície impermeável do papel medeia a interação entre a água e o pigmento, permitindo que os padrões de sedimentação se revelem ao longo do tempo. Visível em ambos os lados, Nervura convida o espectador a abrandar o ritmo e a refletir sobre como as forças que sustentam a forma permanecem, muitas vezes, invisíveis. 

Paula Prates expôs em O tempo maior que o tempo, Pavilhão Branco, Galerias Municipais de Lisboa, Lisboa (2025-6); Sob o peso da ranhura, Galeria Antecâmara, Lisboa (2025-6); Linha de Tempo, Museu Nacional de História Natural e da Ciência, Lisboa (2023); Agarrar o que não vejo, Galeria da Biblioteca de Alcântara, Lisboa (2022).  

Nature informs Paula Prates’s practice not as imagery but a framework for thinking. Working across drawing, painting, installation, and photography, she explores the unseen structures that sustain living systems through slow, repeated gestures, layered surfaces, and material experimentation. Nervura stems from her observation of the hidden networks that support life. Like the veins that carry nutrients through a leaf or the roots that anchor a tree, the work reflects on what remains almost imperceptible, yet makes growth, continuity and transformation possible. The paper’s waterproof surface mediates the interaction between water and pigment, allowing patterns of sedimentation to unfold over time. Visible on both sides, Nervura invites the viewer to slow down and consider how the forces that sustain form often remain unseen. 

Paula Prates’ exhibitions include O tempo maior que o tempo, Pavilhão Branco, Galerias Municipais de Lisboa, Lisbon (2025-6); Sob o peso da ranhura, Galeria Antecâmara, Lisbon (2025-6); Linha de Tempo, Museu Nacional de História Natural e da Ciência, Lisbon (2023); Agarrar o que não vejo, Galeria da Biblioteca de Alcântara, Lisbon (2022).

Paulo Albuquerque é um artista luso-brasileiro que explora narrativas através da cor, do traço e da textura. Inspirando-se nas relações humanas, nos hábitos e expectativas sociais e nas ligações entre espaços, objetos e natureza, transforma o quotidiano em atmosferas e histórias abertas. Partindo da fotografia, da memória e da observação direta, cria composições que equilibram espontaneidade e intenção. 

Três Tempos assenta na ideia de que cada lugar é moldado por temporalidades sobrepostas. Memória, experiência presente e projeções do futuro coexistem numa composição distribuída por vários painéis que interrompem a continuidade visual. O vazio central sugere um espaço de possibilidade, enquanto as formas fragmentadas refletem a impossibilidade de reconstruir plenamente um lugar apenas através da memória. Entre figuração e abstração, a obra convida o olhar a estabelecer ligações e a reconhecer o lugar como uma construção em permanente transformação.  

Paulo Albuquerque expôs na ARCOlisboa, em Lisboa (2026); Cronotopia da Presença, na This Is Not A White Cube, em Lisboa (2026); e Lugar, na Lx Lapa, em Lisboa (2023). Concluiu uma residência artística na TERRA, em Craveiral, no Alentejo, em 2026. 

Paulo Albuquerque is a Luso-Brazilian artist who explores narratives through colour, mark-making and texture. Drawing on human relationships, social norms and expectations, and connections between spaces and objects, he transforms everyday life into evocative atmospheres. Using photography, memory and direct observation, he creates compositions balancing spontaneity and intention. Through painting, Albuquerque explores his perspective on society, expressing reflections, concerns and stories drawn from lived experience. 

Três Tempos is grounded in the idea that every place is shaped by overlapping temporalities. Memory, present experience and projections of the future coexist in a composition distributed across several panels, interrupting visual continuity. The central void suggests possibility, while the fragmented forms reflect the impossibility of fully reconstructing a place through memory alone. Moving between figuration and abstraction, the work invites viewers to make connections and recognise place as something in continuous transformation. 

Paulo Albuquerque’s exhibitions include ARCOlisboa, Lisbon (2026); Cronotopia da Presença, This Is Not A White Cube, Lisbon (2026); Lugar, Lx Lapa, Lisbon (2023). He completed an artist residency at TERRA at Craveiral, Alentejo, in 2026.

Há quinze anos Pollyanna Freire desenvolve uma prática escultórica que explora a relação entre objeto, corpo e espaço. Trabalhando principalmente com madeira e metal, o recurso à cor desloca as suas esculturas para um território entre a pintura e o desenho. Enraizado em formas geométricas, o seu trabalho recorre a soluções estruturais presentes em objetos quotidianos e na arquitetura.

“Untitled nº3” é construída a partir de formas geométricas simples e elementos repetitivos; a escultura evoca estratégias minimalistas, enquanto a sua construção artesanal resiste a uma estética industrial. Ocupando um espaço entre o utilitário, o lúdico, o artístico e o decorativo, convida a novas interpretações das formas do quotidiano.  

As exposições de Pollyanna Freire incluem Vão, Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia (MAAT), Lisboa (2023); No Meio da Pedra Tinha um Caminho, Galeria Bessa Pereira, Lisboa (2023); Cavalo Verde, Módulo, Lisboa (2020); e Escultura, Módulo, Lisboa (2017). Em 2025, inaugurou a sua primeira escultura pública na aldeia de Sardín, em Espanha. 

For the past fifteen years, Pollyanna Freire has developed a sculptural practice exploring the relationship between object, body, and space. Working primarily with wood and metal, colour shifts these sculptures into a realm that lies between painting and drawing. Rooted in geometric forms, the artist’s work draws on structural solutions found in everyday objects and architecture. 

Untitled No. 3 is built from simple geometric forms and repeated elements, the sculpture echoes minimalist strategies, while its handcrafted construction resists an industrial aesthetic. Occupying a space between the utilitarian, playful, artistic, and decorative, it invites new interpretations of everyday forms. 

Pollyanna Freire’s exhibitions include Vão, Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia (MAAT), Lisbon (2023); No Meio da Pedra Tinha um Caminho, Galeria Bessa Pereira, Lisbon (2023); Cavalo Verde, Módulo, Lisbon (2020); Escultura, Módulo Lisbon (2017). In 2025, Freire unveiled her first public sculpture in the village of Sardín, Spain. 

Rebecca Fontaine-Wolf é uma artista interdisciplinar e cofundadora do coletivo feminista de arte InFems. Recorrendo a imagens da história da arte, da mitologia e da religião, a sua prática multidisciplinar explora a experiência vivida da condição feminina, examinando tanto as realidades viscerais do corpo como os enquadramentos culturais que moldam a forma como as mulheres são representadas e valorizadas. 

As imagens e fragmentos de texto presentes em Forbidden Fruit resultam de um projeto de investigação financiado pela Fundação Calouste Gulbenkian sobre a autocomodificação na era digital. Centrada na imagem simbólica do pé, a obra acompanha a sua transformação de objeto de devoção na iconografia cristã em mercadoria nas economias contemporâneas das plataformas digitais. Combinando fotografias, conversas com subscritores, notas de investigação e dados de plataformas, a obra revela o trabalho emocional e performativo subjacente à identidade online, questionando a forma como corpos, imagens e narrativas pessoais adquirem valor através de sistemas de visibilidade e troca. 

Rebecca Fontaine-Wolf recebeu a Bolsa de Criação Artística da Fundação Calouste Gulbenkian em 2025. Entre as suas exposições de destaque contam-se Flesh & the Mirror: The Self-Image of Rebecca Fontaine-Wolf, Haus Kunst Mitte, Berlim (2024), e Lost Girls, Flowers Gallery, Londres (2023). 

Rebecca Fontaine-Wolf is an interdisciplinary artist and co-founder of the feminist art collective InFems. Drawing on art historical, mythological, and religious imagery, her multidisciplinary practice explores the lived experience of womanhood, examining both the visceral realities of the body and the cultural frameworks that shape how women are represented and valued.

The images and textual fragments in Forbidden Fruit are drawn from a Calouste Gulbenkian Foundation-funded research project examining self-commodification in the digital age. Centred on the symbolic image of the foot, the work traces its shift from an object of devotion in Christian iconography to a commodity within contemporary platform economies. Combining photographs, subscriber conversations, research notes, and platform data, the work reveals the emotional and performative labour behind online identity, questioning how bodies, images, and personal narratives acquire value through systems of visibility and exchange. 

Rebecca Fontaine-Wolf received the Calouste Gulbenkian Foundation Artistic Creation Grant in 2025. Notable exhibitions include Flesh & the Mirror: The Self-Image of Rebecca Fontaine-Wolf, Haus Kunst Mitte, Berlin (2024); and Lost Girls, Flowers Gallery, London (2023).  

Rui Macedo dedica-se exclusivamente à pintura e a instalações pictóricas específicas para cada local, desafiando as expectativas dos espectadores e explorando os limites do meio. Através da ilusão e do deslocamento, explora as relações entre o espaço, a imagem e o espectador, questionando o que a pintura pode ser e como é vivenciada. Em Air Bubble Package, Macedo desafia as expectativas do espectador através de uma imagem pintada oculta sob camadas de fita adesiva. Oscilando entre a revelação e o ocultamento, a obra resiste inicialmente a ser reconhecida como pintura, desviando a atenção para o próprio ato de olhar. Ao encenar um subtil truque de perceção, Macedo questiona a forma como as imagens são vistas, interpretadas e, em última análise, definidas. 

Rui Macedo expôs em Boundless Borders (Territórios Partilhados), no Palácio Nacional de Mafra, em Mafra (2026); Gaps, Fissures, and Other Pretenses, no Projeto Travessa da Ermida, em Lisboa (2021); Sfumato, na Tabacalera, em Madrid (2019); (In)dispensável ou a Pintura que Perturba a Coleção do Museu, no Museu Nacional de Arte Contemporânea, em Lisboa (2019) e (Land)Scaping Normative Thinking, na Fundação Millennium BCP, em Lisboa (2017). 

Rui Macedo works exclusively with painting and site-specific painting installations, challenging viewers’ expectations. exploring the limits of the medium. Through illusion and displacement, je explores relationships between space, image, and viewer, questioning what painting can be and how it is experienced. In Air Bubble Package, Macedo challenges the viewer’s expectations through the of a painted image concealed beneath layers of tape. Oscillating between revelation and concealment, the work initially resists recognition as a painting, turning attention towards the act of looking itself. By staging a subtle trick of perception, Macedo questions how images are seen, interpreted, and ultimately defined. 

Rui Macedo’s exhibitions include Boundless Borders (Territórios Partilhados), Palácio Nacional de Mafra, Mafra (2026); Gaps, Fissures, and Other Pretenses, The Travessa da Ermida Project, Lisbon (2021); Sfumato, Tabacalera, Madrid (2019); (In)dispensable or the Painting that Troubles the Museum Collection at Museu Nacional de Arte Contemporânea, Lisbon (2019) and (Land)Scaping Normative Thinking at the Millennium BCP Foundation, Lisbon (2017).   

A prática fotográfica de Sónia Apolónia explora a luz, a sombra, a forma e o espaço como veículos de contemplação. Através de detalhes arquitetónicos, reflexos e atmosferas, cria imagens que esbatem as fronteiras entre o real e o imaginário, revelando a ressonância emocional dos lugares. 

Nesta fotografia da série Above the Noise, um único elemento vertical surge isolado sobre um fundo negro profundo, transformando um fragmento comum da paisagem urbana numa presença meditativa, quase escultórica. Privada de contexto, a forma permanece suspensa entre tensão, fragilidade e resistência. A luz revela subtis variações de textura e cor, enquanto a escuridão envolvente acentua uma sensação de quietude. Ao reduzir a imagem aos seus elementos essenciais, a obra convida a um olhar mais atento e demorado, revelando momentos de beleza silenciosa no meio do ruído visual da cidade. 

Entre as exposições de Sónia Apolónia destacam-se Group Exhibition, In The Pink, Loulé (2026), e Solo Exhibition, In The Pink Gallery, Quinta Shopping (2026). O seu trabalho foi destacado na Algarve Plus Magazine (Fevereiro de 2026). 

Sónia Apolónia’s photographic practice explores light, shadow, form, and space as vehicles for contemplation. Through architectural details, reflections, and atmosphere, she creates images that blur the boundaries between the real and the imagined, revealing the emotional resonance of place. In this photograph from the series Above the Noise, a single vertical element is isolated against a deep black background, transforming an ordinary fragment of the urban landscape into a meditative, almost sculptural presence. Stripped of context, the form becomes suspended between tension, fragility, and resilience. Light reveals subtle variations in texture and colour, while the surrounding darkness creates a sense of stillness. By reducing the image to its essential elements, the work invites a slower mode of looking, uncovering moments of quiet beauty within the visual noise of the city. 

Sónia Apolónia exhibitions include Group Exhibition, In The Pink, Loula (2026) and Solo Exhibition, In The Pink, Quinta Shopping (2026). Her work was featured in Algarve Plus Magazine (February 2026). 

O desenho está no cerne da prática de Teresa Esgaio. Mais do que a materialização de uma ideia, é um meio de refletir e confrontar as questões que a ocupam. Trabalhando com grafite, carvão e pastel suave, Esgaio recorre a uma linguagem visual figurativa para explorar temas como a memória, a identidade, a condição humana e a passagem do tempo. Clover reúne uma coleção de desenhos de pequena escala realizados a partir da observação direta da planta. A repetição desacelera o ato de olhar, colocando em destaque a singularidade de cada forma. Vista como um todo, a série funciona tanto como um arquivo de observações como uma investigação em curso, tornando-se o desenho um espaço de reflexão e descoberta.  

Teresa Esgaio expôs na Exposição dos Finalistas do Prémio Soberano de Arte Portuguesa, Sociedade Nacional de Belas-Artes, Lisboa (2025); Point Zero, no Museu da Água, em Lisboa (2023); 180 dias, no Museu da Água, em Lisboa (2022); e O mar não é redondo, na Cordoaria Nacional, em Lisboa (2021). 

Drawing lies at the heart of Teresa Esgaio’s practice. More than the materialisation of an idea, it is a means of thinking through and confronting questions that occupy her mind. Working with graphite, charcoal and soft pastel, Esgaio employs a figurative visual language, to explore themes of memory, identity, the human condition and the passage of time. Clover brings together a collection of small-scale drawings made through direct observation of the plant. The repetition slows down the act of looking, bringing the singularity of each form into focus. Viewed as a whole, the series serves as both an archive of observations and an ongoing investigation, with drawing becoming a space for reflection and discovery.  

Teresa Esgaio’s exhibitions include The Sovereign Portuguese Art Prize Finalists Exhibition, Sociedade Nacional de Belas-Artes, Lisbon (2025); Point Zero, Museu da Água, Lisbon (2023); 180 days, Museu da Água, Lisbon (2022); O mar não é redondo, Cordoaria Nacional, Lisbon (2021).