O Sovereign Portuguese Art Prize 2023

A prática artística de Ana Almeida Pinto é uma reflexão sobre as motivações humanas, tendo como motor a nostalgia e a relação entre oquerer e o poder. Apropriando-se da fisicalidade e simbologia dosmateriais com que trabalha, encontra respostas a estes conceitosintrigantes durante o seu processo criativo. Recentemente, a sua práticadesenvolveu-se em torno da observação do “Território”, a partir do seupatrimónio e das suas tradições.

A artista participou na residência artística Amar o Minho, onde teve a oportunidade de criar três esculturas de arte pública intituladas Batalha das Flores, Bruma e Paisagem Excêntrica, respetivamente em Barcelos, Monção e Vizela (2022). De destacar são também a exposição individual Fantasmas de Ontem e de Agora, na Galeria Municipal, Montemor-o-Novo (2022) bem como a escultura de arte pública Penumbra, apresentada no Simpósio de Arte e Sustentabilidade, em Braga (2018).

Ana Lima-Netto formou-se em Arquitetura na Escola Superior de Belas Artes, em Lisboa (1985). O seu trabalho é uma reflexão sobre o sentido da vida, e a sua transcendência. Os textos filosóficos são a âncora do seu processo criativo, pois abordam questões relativas às relações e tensões inerentes à natureza humana, à nossa diversidade cultural e ao nosso subconsciente. A sua prática multimédia inclui desenho desenho, escultura e instalação.

Exemplos de exposições a destacar são Reminiscências ou Nostalgia?, na Galeria de Arte do Convento do Espírito Santo, em Loulé (2023); De Pele para Pele, no festival Imagine! FITE, no Museu Roger Quilliot, Clermont Ferrand (2022); Rosarium, no Museu do Santuário de Fátima, em Fátima (2022); Nada de Novo Debaixo do Céu, Château de Tours, Tours (2021); e Do banal ao Sublime, na Galeria António Prates, em Lisboa (2015).

A obra de Ana Manso encontra-se profundamente enraizada na pintura, fazendo da tela ou da superfície crua da parede um lugar de encontro entre o mundo real e o imaginário. Livre de estrutura, ordem e lógica, a linguagem da abstração e da cor é confrontada com vestígios de objetos da vida quotidiana. Impulsionadas pelo acaso, e ambíguas por natureza, as obras de Ana Manso são definidas por uma alternância de aparecimentos e desaparecimentos, privilegiando um sentido de espiritualidade e mistério, enquanto escapam aos modos da vida quotidiana.

A artista participou recentemente no programa de residências International Sudio & Curatorial Program, em Nova Iorque (2022), com o apoio da Fundação Calouste Gulbenkian. Tem exposto regularmente em Portugal e internacionalmente, nomeadamente: Ninguém. Só eu. Centro de Arte Oliva, São João da Madeira (2022); Hier, Aujourd’ hui, Demain, Mudam Luxembourg (2020); YEMA, Matadero Madrid (2018) e Yo-yo, Projetos Contemporâneos, Museu de Serralves, Porto (2017).

O trabalho de Ana Santos (b.1982) está ligado à apropriação de objectos encontrados, que a artista submete a actos simples de manipulação através de um processo de descoberta em que o acaso desempenha frequentemente um papel importante. Bege Modigliani pertence a um grupo de obras recentes feitas a partir de tubos de escape e outros componentes do sistema de exaustão de automóveis. A artista cria assim esculturas antropomórficas que geram uma ambiguidade latente entre serem objectos ready-made e objectos construídos de raiz.

Ana Santos (n. 1982) foi distinguida com o Prémio Novos Artistas Fundação EDP 2013. Entre as suas exposições individuais destacam se: Anátema, no MAAT – Museu de Arte, Arquitectura e Tecnologia, em Lisboa (2019); vis-à-vis, no Centro de Artes Visuais, em Coimbra (2022); e Colecção Primavera-Verão, na Culturgest, em Lisboa (2023).

Para criar Immutable Laws (I), a artista parte de um negativo de película e faz uma intervenção na sua superfície, apagando a imagem original. Ao fazê-lo, espera iniciar um diálogo entre o apagar e alguns dos vestígios remanescentes da imagem original, que se encontram agora preservados. Sempre relacionados com a Natureza, estes vestígios apresentam-se como o único elemento sobrevivente, e permitem a Bilbao expor as leis imutáveis da Natureza face à presença humana, as quais, nesta série, são sempre apagadas ou engolidas pelo turbilhão da sua dança.

O seu trabalho foi apresentado recentemente na Photo Basel, em Basileia (2022); no International Studio & Curatorial Program, em Nova Iorque (2022); J’ai rêvé d’une fleur qui ne mourrait jamais, Curiosa Sector, na Paris Photo, Paris (2021); Blast Effects, secção Opening, na Arco Madrid, em Madrid (2021); 13ª edição do Prémio Novos Artistas Fundação EDP, no MAAT – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, em Lisboa (2019).

A prática de Andreia Santana, explora a interseção entre biologia e identidade, incorporando matéria viva e gestos performativos, em escultura e instalação. A artista reflete sobre a forma como estes materiais politizados formam a nossa compreensão das construções sociais da arqueologia, da história e do género. Simultaneamente atraentes e perturbadoras, as esculturas de Andreia Santana, das quais in praise of laziness é exemplo, surgem como estruturas híbridas. Inspirada nas estratégias de sobrevivência animal como a camuflagem e a ecdise, bem como nas estratégias de sedução e proteção femininas, a obra da Andreia Santana propõe uma quimera para além das categorizações de génese, género e habitat.

Andreia Santana foi distinguida em inúmeros prémios, nomeadamente o Prémio Novos Artistas Fundação EDP (2022); recebeu a Bolsa de Artes Visuais da Fundação Calouste Gulbenkian para a Residency Unlimited, em Nova Iorque (2017); foi vencedora doPrémio NOVO BANCO Revelação (2016). Participou na Bienal BoCa (Lisboa, 2021) com o trabalho, Overlapses, Riddles & Spells,.

A artista multidisciplinar Carla Filipe tem como prática questionar a relação permeável entre objetos de arte, cultura e ativismo. Alicerçada no desenho, nas experiências pessoais e na autobiografia como arquivo experimental da contemporaneidade, a artista constrói uma forma de retrato social e, simultaneamente, de auto-retrato. Aplicando metodologias antropológicas, ela recolhe, entrevista e documenta os traços de narrativas individuais e coletivas, questionando criticamente a discursividade convencional, sobre o passado recente, e o presente. A artista explora conceitos transversais como o território, a propriedade, a memória, a identidade e a representação.

Exposições a destacar incluem In my own language i am independente, no Museu de Serralves, Porto (2023); Confissões de uma baptizada, Arquipélago Centro de Artes Contemporâneas, Açores (2022); da cauda à cabeça, Museu Coleção Berardo , Lisboa (2014); Incerteza Viva, 32ª Bienal de São Paulo, São Paulo (2016); e Manifesta 8, Bienal Europeia de Arte Contemporânea, em Múrcia (2011).

Pink & Orange é inspirado na frase de Goethe, “a cor é a expressão e o sofrimento da luz”. Fazendo parte da série ‘Depois da Imagem’, Pimenta criou as obras após um estudo de cor e luz proveniente de erro. As imagens retratam graduações de luz que surgem da escuridão e começam a mudar. Nada está em foco, então há uma sensação de êxtase ou arrebatamento, criando proximidade com a pintura através do uso de papel texturizado.

Pimenta já expôs extensamente em todo Portugal, incluindo This Side of Nowhere, na Galeria Nuno Centeno, Porto (2022); Escola De Libertinagem, Galeria Francisco Fino, Lisboa (2022); Potlatch, Museu do Caramulo, Caramulo (2019); Almost Famous, Galeria Nuno Centeno, Porto (2019); Suck & Blow, The Switch, Lisboa (2019) e mais recentemente, na exposição Depois da Imagem na Labor AGO Pavilion, na Cidade do México (2023).

A prática multimédia de Cássio Markowski utiliza arquivos, bancos de imagens e feiras de velharias para documentar aspetos socioculturais da história afro-brasileira e da diáspora africana. O artista reúne manuais de botânica antigos, fotografias de família e imagens de revistas para construir um universo visual mágico. No mundo de Markowski, a natureza surge como uma metáfora para a harmonia, a cura e a transformação. Concelhos para meu eu quando jovem utiliza um fabrico detalhado, lápis de grafite e guache para investigar as relações familiares, as suas influências e contradições dentro da construção cultural do Brasil. Suscitando um ato de resistência, o artista reflete sobre a ideia da infância, de masculinidade e de identidade nacional.

Markowski expôs internacionalmente, nomeadamente em A Noite Não Adormece nos Olhos das Mulheres, AKAA – Also Known as Africa, Paris (2023); na ARCO Feira Internacional de Arte Contemporânea, Lisboa (2023); There Was a Time When I Could Be Anything, na Galeria This is Not a White Cube, em Lisboa (2022/2023); e na Bienal Internacional de Arte Contemporânea de Curitiba, Curitiba (2018).

Cristina Ataíde iniciou Mountain House #14 na lndia, onde trabalhou numa fábrica de pedra juntamente com 60 trabalhadores que faziam esculturas de deuses e de deusas. O seu trabalho é frequentemente criado durante as viagens que faz pelo mundo, sendo o alpinismo uma das suas·práticas. Nesta escultura, a casa tem uma montanha como telhado. É possível entrar através de uma pequena porta ou fenda. No interior escavado da peça podemos encontrar o refúgio de uma casa ou de gruta. Neste sentido, a montanha pode ser vista como uma escalada ou como um abrigo.

Exposições a destacar de Cristina Ataíde incluem ?A Terra ainda é redonda?, no Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado, em Lisboa (2023); Un viaje extraordinario, na Galeria Belo-Galsterer, em Lisboa (2023); E/efecto espejo de los océanos, no Palácio Cibeles, Madrid (2022); Respiração Boca a Boca, no MIEC, Museu Internacional de Escultura Contemporânea- Santo Tirso, em Santo Tirso (2022); Todo y solo Luz, in Todo y solo Luz: Centro de Arte Faro de Cabo Mayor, Santander (2021).

Art Now More Than Ever integra de um conjunto no qual Rees utiliza as técnicas de marmoreado frequentemente associadas à arte infantil, à arte de amadores e à produção artesanal de livros. Devido à natureza desta técnica do marmoreado, o resultado visual das obras é altamente individualizado e contém um certo grau de imprevisibilidade. O artista utilizou várias técnicas de marmoreado diretamente sobre tela, cujas variações são ainda mais influenciadas pelos diferentes tipos de telas e linhos e pela forma como o material é dobrado na preparação.

O Rees expôs em toda a Europa, nomeadamente em Compensatório Aleatório, na Tanya Leighton Gallery, Berlin (2022); Tendências Mundiais da Arte 1982, na Galeria Nuno Centeno, Porto (2021); La Collezione Impermanente #1, na GAMeC, Bérgamo (2018); Les règles du jeu / As Regras do Jogo, na Casa do Povo, Espace 315, Centre Georges Pompidou, Paris (2015); Kelp, National Museum of Wales, em Cardiff (2013).

O núcleo de obras, em que se insere A Viagem de Barco (Partida), não é sobre nada. Se me perguntarem, e já me perguntaram, sobre do que tratam estas imagens, eu não saberia responder. Não são, como trabalhos anteriores meus, sobre a Shoah ou sobre a impossibilidade de fotografar uma janela ou uma taça, nem sobre o tempo que flui ou as memórias do amanhã. Estas fotografias não são variações sobre uma mesma pauta. Não mostram uma cidade ou um grupo de pessoas, aliás, não há rostos nem arquitetura nestas fotografias, são imagens de um mundo, não anterior nem posterior à presença humana, mas de um mundo apesar das pessoas.

Entre as exposições do artista a destacar figuram Centre Photographique, Rouen (2022); Jean-Kenta Gauthier, Paris (2022); Pavilhão Preto, Museu da Cidade, Lisboa (2022); Jean-Kenta Gauthier, Paris (2021); Pavilhão Branco, Museu da Cidade, Lisboa (2019) e Musée Eugène Delacroix, Paris (2018 entre outras.

Caring inspira-se na frase da ativista Maya Angelou: “à medida que envelheceres, descobrirás que tens duas mãos, uma para te ajudares a ti próprio e outra para ajudares os outros.” Esta metáfora descreve as mãos como algo que serve para curar, cuidar, dar e receber amor. Daniela Krtsch questiona o que significa para ela cuidar, especialmente através da linguagem corporal e dos gestos físicos. As mãos são um motivo comum no seu trabalho, representando o medo, a felicidade, a dúvida, o conforto e a dor. Em Caring, a artista pintou mãos de pessoas de diferentes etnias como símbolo de liberdade, igualdade, diversidade e aceitação. Em suma, as mãos que cuidam constituem uma extensão do nosso coração.

De entre as exposições de Krtsch destacam-se Looking for Eden, na Galeria Belo-Galsterer, Lisboa (2023); Take me to the dawn, na Galeria Salgadeiras, Lisboa (2022); e À procura de um outro continente, na Galeria Fernando Santos, no Porto (2020). Participou também no programa anual do Egeac, Lojas com histórias (2023), bem como em uma colaboração artística para a edição bilingue de E.E. Cummings, Poemas eróticos (2022).

Round (around) simboliza o elemento aleatório e performativo da prática de Pimentão. Não se trata nem de um desenho a lápis nem de um delicado desenho à mão, ao contrário do que se poderia imaginar à primeira vista: a obra é, de facto, criada a partir de um conjunto de gestos vigorosos que implicam um forte esforço físico. Round (around) foi criado às cegas, por meio de um dispositivo simples que agita vigorosamente fragmentos de grafite reaproveitados de outras obras para o papel. A escala deste desenho transforma a sua produção numa ação quase atlética, mas com uma componente coreográfica e sonora. O impacto do grafite soa como uma tempestade, à qual o artista se encontra profundamente ligado.

De entre as mostras de Diogo Pimentão destacam-se Collection Frédéric De, Goldschmidt, Cloud Seven, em Bruxelas (2021); Deslocação do Desequilíbrio, no IMMA – Museu Irlandês de Arte Moderna, em Dublin (2015); Gravidade Oblíqua, Galeria Yvon Lambert, Paris (2013); Papier XL, no Centre Georges Pompidou, em Paris (2016). Dessiner à Rebours FRAC Normandie Rouen, Rouen (2020).

Direitos da Natureza #1, #2, #4, #5, #6, #8, #9 é uma instalação de desenho composta por sete frases reunidas num bloco. As frases são desenhadas a lápis verde em pedaços de papel reaproveitados de outros trabalhos e são citadas de Derechos de la naturaleza: Ética biocêntrica e políticas ambientaisde Eduardo Gudynas. A obra combina temas que há muito caraterizam o trabalho de Gabriela Albergaria, ligando tópicos culturais, históricos e económicos à natureza na sua tradição ocidental.

De entre os seus trabalhos recentes, destacam-se a exposição A Natureza Abomina Uma Linha Reta, na Culturgest, emLisboa (2021) e no Palácio da Galeria, Tavira (2022), e a publicação A Natureza Abomina Uma Linha Reta (Culturgest / Mousse Publishing, 2021).

Untitled – among the wreckage – truce from 12 to 15 é uma resposta à insustentável realidade atual: o facto de termos de novo a guerra à nossa porta. A consternação e a descrença causadas pela nossa impotência coletiva perante as novas imagens diárias de destruição e de dor estão materializadas nesta imagem. A obra também faz referência ao ensaio de Susan Sontag intitulado A Respeito da Dor dos Outros. A obra foi criada com objetos reais, recolhidos e dispostos no atelier. Tendo sido desenvolvidos na segurança de um estúdio de artista, vários detritos, cacos e objetos recriam ou evocam o intolerável. Nesta terra de ninguém, entre restos e fragmentos, uma faixa de testemunhos permanece à espera e observa, protegida nas suas molduras como personagens laterais de um antigo retábulo.

Exposições da artista a destacar incluem Mille-Fleurs, na Galeria 111, em Lisboa (2018); Estranhos Jardins, no Museu das Artes de Sintra, Sintra (2022); e Pintura sem Fim, na Broteria | Centro cultural dos jesuítas portugueses no Bairro Alto (2023).

Saint Sebastian of Acupuncture é uma escultura baseada na figura de São Sebastião conforme representada na Arte Sacra, agora perfurada por agulhas de acupunctura em substituição das convencionais setas. A obra remete para o esforço secular do Ocidente para impor os seus valores culturais e religiosos ao Oriente e para a associada resistência deste. em os aceitar. Neste contexto o artista Konstantin Bessmertny declara: “Colecionadores de arte do mundo, uni-vos! Artistas do mundo, por favor, não o façam!”

A destacar incluem-se as exposições Domingo de Manhã Para Sempre, na Galeria Monumental, em Lisboa (2023) e Um de Vós e Todos Eles, na Rossi & Rossi, em Londres (2013). O artista expôs igualmente na 52ª Bienal de Veneza, Veneza (2007).

Típico do estilo de Leylâ Gediz, Troubleshooter apresenta um arranjo simples com objectos do quotidiano que se acumulam no seu estúdio. Refletindo a luz e as sombras do seu ambiente, as suas naturezas-mortas não se entregam com facilidade. À beira da abstração incutem uma sensação de incapacidade de ver o que está mesmo à nossa frente. Gediz nomeou esta peça, Troubleshooter, durante a aplicação final de tinta, porque a sua superfície tinha adquirido uma textura excecionalmente lisa, quase perfeita. Apesar disso, procurou irregularidades, só conseguindo terminar quando se apercebeu de que podia passar essa tarefa para o observador.

Leylâ Gediz expôs internacionalmente, nomeadamente em Missing Cat, Purdy Hicks Gallery, Londres (2023); Cosa Mentale, L’Atlas, galerie des mondes, Paris (2022); ThisPlay, Museu de Arte Contemporânea ARTER, Istambul (2022); change to english name: Layer from Background EPUL, Lisboa (2022).

Luís Nobre questiona ideias como a de natureza, sobrevivência, as implicações do espaço vazio, ou o simbolismo, entre o objeto originalmente observado e a sua representação desenhada e exibida. Utilizando diversos meios, explora a exposição pública e privada de objetos e desenhos e a sua relação com a humanidade. Underneath #2 faz parte de uma série que Luís Nobre criou para alcançar um forte sentido de profundidade e superficialidade. A sua utilização de diferentes técnicas e meios permite que o público procure uma familiaridade nos elementos enquanto se envolve numa viagem caleidoscópica.

Luís Nobre expôs internacionalmente, nomeadamente na Galeria Rooster Factor 41N-9W (2013), Nova Iorque e na 1ª Bienal de Salónica (2007). Em 2021 destacam-se duas exposições coletivas: Le Dos au Sol. No limite A Agência na Cidade do Luxemburgo e Ensaio para uma Comunidade, no MAAT – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, Lisboa. Em 2019 o seu trabalho foi incluído em De Outros Espaços, na Galeria Municipal, Porto e em Studiollo XXI, na Fundação Eugénio de Almeida, em Évora.

Como pintor, Luís Paulo Costa acredita que, para ver, é necessário pintar. A sua inspiração reside nas suas relações íntimas com os outros, e com o mundo. Segundo o artista, pintar uma imagem que já existe é uma forma de acentuar a sua presença e a sua importância, olhar duas vezes para compreender melhor. Em essência, Luís Paulo Costa tenta produzir pinturas que questionam o que é apresentado na superfície da tela.

Exposições do artista incluem Janeiro-Dezembro, na Sociedade Nacional de Belas Artes, em Lisboa (2023); Laranjas, na Fundação Carmona e Costa, em Lisboa (2022); Kopie, no Krinzinger Projekte, Viena (2020); Eco/Echo, na Galeria Cristina Guerra, em Lisboa (2019).

Mafalda Santos explora as possibilidades expansivas da pintura e do desenho, especialmente com intervenções em locais específicos, permitindo uma relação estreita com o espaço da exposição. Side Effects faz parte de uma série de desenhos inspirados na organização que a artista faz dos seus materiais de arquivo no atelier e em casa. A revisitação de materiais recolhidos ao longo dos anos, como por exemplo folhas de sala, permitiu a Mafalda Santos desenvolver desenhos construídos a partir dos seus conteúdos.

Mafalda Santos expôs internacionalmente, incluindo em Histórias de uma Coleção, na Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa (2023); Variations Portugaises, Centro de Arte Contemporânea de Meymac, Meymac (2018); Only Connect, Art in General, Nova Iorque (2008); Prémio EDP Novos Artistas Fundação EDP (2007); e 7 artistas ao 10º mês, Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa (2005).

Quando trabalha no seu atelier, Manuel Caeiro é sempre levado a refletir sobre a ligação entre a pintura e a escultura. Para criar Ensaio para um Volume Plano #7, Manuel Caeiro começa por fotografar uma das suas esculturas, que depois transforma em pintura. Ao fazê-lo, utiliza a tinta para voltar a concetualizar novamente a escultura original, e reanalisar a relação entre a bidimensionalidade e a tridimensionalidade. Este método permite-lhe considerar a destrutibilidade e a reconstrução de um objeto teórico: tentando alcançar o melhor diálogo possível entre eles. Segundo Manuel Caeiro, a pintura nesta matéria dá-lhe um “meio de 3 em 1”, permitindo-lhe reconsiderar o próprio meio da pintura.

Manuel Caeiro tem participado em múltiplas apresentações a solo e em grupo, incluindo Light Monument // Sq. Feet, Ponces + Robles, em Madrid (2017); Mikado, Galeria Beta Pictoris, no Alabama (2016); De baixo para cima (Lurixs-Baró), Galeria Baró, em São Paulo (2011); e O Palácio, na Galeria Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa (2020). Obteve o primeiro lugar no Ariane de Rothschild Art Prize, em Lisboa (2005). Foi pré-selecionado para o Sovereign Portuguese Art Prize 2022.

Montanha de urze e esteva é uma obra a partir do filme Las Hurdes, tierra sin pan (1936) de Luis Buñuel, em que as personagens são simultaneamente os habitantes e as paisagens da região espanhola à qual o título do filme alude, junto à fronteira portuguesa. Baseados num único fotograma do filme, os desenhos mostram uma montanha que se assemelha a uma grande muralha. Maria Capelo desenhou insistentemente esta montanha pois, só em frente ao papel, a trabalhar, pode acontecer uma verdadeira procura. Segundo a artista, tudo o que acontece neste planeta deixa um rasto, um testemunho que está sempre em mudança, sempre em perigo e sempre a acontecer no presente.

Exposições da artista incluem O dia já fecha as portas, no MAAT – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, em Lisboa (2023); Vento Espesso na, Casa-Museu Guerra Junqueiro, no Porto (2022); Do Planalto se dobra a montanha, na Galeria do Palacete Viscondes de Balsemão, Porto e Zé dos Bois, Lisboa (2022); Tudo o que eu quero – Artistas portuguesas de 1900 a 2020, na Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa e cccod | Centre de Création Contemporaine Olivier Debré, Tours, França (2021/22). Recebeu também o Prémio FLAD de Desenho (2022).

Em COSMIC DEBRIS #6 (Coachella rock) 2022, Nuno Cera questiona a nossa realidade e inconsciência. Ao criar cenas oníricas, a obra joga com encontros entre um objeto obscuro suspenso e uma paisagem, emparelhando estranhos no tempo e no espaço. Dois momentos que convergem num único evento. Inspirado em Le Château des Pyrénées (1959), de René Magritte, o trabalho explora a fotografia num mundo pós-Instagram e impulsionado pela Inteligência Artificial. Nuno Cera pretende libertar-se das noções tradicionais daquilo que é, e daquilo que pode ser a fotografia, explorando novas técnicas e abordagens.

Exposições recentes incluem Janela Infinita (Infinite Window), na Galeria Miguel Nabinho, em Lisboa (2022); Luzes Distantes (Distant Lights), no MAAT – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, Lisboa (2022); As Quedas (The Falls), no Convento de São Francisco, em Coimbra (2022); Sinfonia do Desconhecido II, Escola das Artes, Porto (2021); e Histórias de uma Coleção, no Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa (2023). Nuno Cera participou também em várias residências em todo o mundo.

Family window & family Sculpture é criada a partir de caixilhos de janelas em ferro retirados da antiga oficina do artista numa fábrica de plásticos desmantelada chamada SIMALA. Estas “janelas” foram manipuladas de forma a construir uma progressão de aberturas que permitem, por um lado, o reconhecimento do objeto inicial e, por outro, a consciência da capacidade de transformação a partir de uma pré-existência.

Exposições de Nuno Sousa Vieira incluem Inhabitants ou imitar o andar, na Galeria 3+1, em Lisboa (2023); Pelo que não se vê, no CAI Galeria do Instituto Politécnico de Tomar, Tomar (2023); Amanhã é muito tempo, integrada no Ciclo Desenho como pensamento, na Biblioteca Municipal Manuel Alegre, em Águeda (2023); Um entre nós, na Galeria Raquel Arnaud, em São Paulo (2022); Tenho a vista cansada, na Galeria Mul.ti.plo, no Rio de Janeiro (2022). Foi pré-selecionado para o Sovereign Portuguese Art Prize 2022.

Plexus Solaire II convida o observador a identificar-se, a espelhar-se e a acalmar-se. A obra apresenta formas visíveis de cura, um termo frequentemente associado a práticas que envolvem remédios naturais, rituais ou outras terapias e que, não se enquadram nas ciências convencionais. Quer seja uma sensação de aperto ou de pontada no coração, a dor pode ser a expressão das emoções submersas, que se manifestam através da somatização. As ligações entre estas terminologias são tecidas num vocabulário plástico que oscila entre elementos figurativos e a composição abstrata, para revelar uma hibridação de emoções em cores vivas e simbólicas.

Exposições a destacar incluem Je est un autre, no Chateau La Coste, Puy-Sainte-Réparade (2023); Cosmogonie, Museu Cobra, Amsterdão (2023); Através dos olhos dos meus Antepassados, Galeria Foco, ARCO Madrid (2022); e Corde Vocali, na Galeria Rx, Paris (2020). Participou numa residência na Fundação Zinsou, Ouidah (2018).

O desenho assume um papel central no trabalho da artista e é através dele que ela sente e pensa. Mais do que a materialização de uma ideia, o desenho é a forma como Teresa Esgaio encontra respostas para as questões que ocupam o seu pensamento. Utilizando grafite, carvão e pastel seco preto, o seu trabalho tem uma linguagem figurativa abordando conceitos abstratos como a passagem do tempo, a condição humana, a memória e a identidade. Matter é um conjunto de desenhos que se apresenta como uma tomada consciência do nosso lugar, da nossa ligação ao solo, colocando o peso, a densidade das massas e o espaço que ocupam como constantes incontornáveis na relação do Homem com a realidade.

Exposições notáveis incluem Ponto Zero, Estação Elevatória a Vapor dos Barbadinhos, Museu da Água, Lisboa (2023); 180 dias, Estação Elevatória a Vapor dos Barbadinhos, Museu da Água, Lisboa (2022); O mar não é redondo, Sala dos Barcos, Cordoaria Nacional, Lisboa (2021); e Contemporâneos Extemporâneos, Galeria Fernando Santos, Porto (2021). Foi finalista do prémio Sovereign Portuguese Art Prize 2022.

Vasco Araújo utiliza uma gama diversificada de meios para criar uma linguagem artística única. Através da desconstrução e reconstrução de códigos comportamentais, Vasco Araújo reflete sobre a relação entre o sujeito e o mundo. Vasco Araújo utiliza todas as formas de arte à sua disposição para reconsiderar as normas sociais: o desempenho do corpo, a voz do próprio artista (tendo praticado canto lírico), os gestos e a linguagem.
“Out of the past” #6 é um trabalho sobre intimidade, memória, amor e relações familiares. É inspirado num verso do poema, Fora do passado, de Adília Lopes (1999).

A obra de Vasco Araújo tem sido amplamente exposta, nomeadamente em Sob a Influência da Psique, em A Central Elétrica, em Toronto (2014); Debret, na Pinacoteca do Estado de São Paulo, em São Paulo (2013); Em Vivo Contacto, 28º Bienal de São Paulo, São Paulo (2008); Experiência da Arte, na Bienal de Veneza (2005); e Dialética da Esperança, na 1ª Bienal de Arte Contemporânea de Moscovo, em Moscovo (2005). Foi pré-selecionado para o Sovereign Portuguese Art Prize 2022.

Graças I, II, III foram obras de arte públicas permanentes desenvolvidas no âmbito do Projecto cultural “ESPORO”. O Projecto pretende traçar um percurso cultural com o intuito de desenvolver culturalmente o centro do país, conectando arte aos seus diferentes contextos naturais e sociais. Assumindo como fundamental a importância da conexão com a natureza e com o conceito mitológico de florescimento e beleza, as obras desenvolvidas são materializadas como um exercício contemporâneo do imaginário do artista que partiu das “Três Graças” – partindo da série “Equivalentes” de Carl André na década de 1960, referindo-se a uma fisicalidade inerente ao objeto/monumento artístico, descontextualizado, contrastando natural e artificial, levando o observador a um estado alterado de percepção.

Pedro Gramaxo participou em projetos de arte pública, incluindo Graças I, II, III, ESPORO Cultura, em Figueiró, Ansião e Proença a Nova (2022); e Dimensões #6, no Museu de Arte Cleve Carney e na Faculdade de Dupage Chicago, no Illinois (2023). Outras exposições incluem Contrivance# 4, Paviljoen een hat Water, Roterdão (2022) e Para além da Arquitetura, na Casa da Arquitetura de Matosinhos (2023).

O trabalho de Vera Mota gira em torno das políticas do corpo, promovendo e equacionando a sua participação enquanto metodologia generativa e eixo para formulações conceptuais. Membrana faz parte de um conjunto de trabalhos que evocam imagens deste corpo. Sem intenção de representar, o resultado do gesto repetido pela artista assemelha-se, no entanto, a uma coluna vertebral, devolvendo-nos o corpo que cuja expressão se quis anular durante o processo. Executadas com tinta a óleo, as marcas do gesto são prolongadas pela absorção do óleo pelo papel, muito depois da mão se ter afastado.

Das exposições recentes de Vera Mota, destacam-se em SEM CORPO/ DISEMBODIED, no Museu de Arte Contemporânea de Serralves, no Porto (2022); Sensação Fantasma, no Sismógrafo, no Porto (2023); HAZE, na Associação Cultural Appleton Square, em Lisboa (2023); e Esfíngico Frontal, na Galeria Mendes Wood DM, em São Paulo (2023).